Kai Schiemenz

Cloaked Debris

2012-01-19T07:28:00.000-08:00

Mid-Size Sculpture in
Galerie EIGEN + ART Leipzig

POSITIONS

Galerie EIGEN + ART Leipzig
14. Januar bis 14. April 2012

Islands of Swarm/ Mr. Hyde

2012-01-19T05:12:00.000-08:00

Galerie EIGEN + ART Leipzig

POSITIONS

Sven Braun
Daniel Lezama
Marcel Odenbach
Cornelia Parker
Kai Schiemenz

Eröffnung
Samstag, 14. Januar 2012, 11 - 21 Uhr

Galerie EIGEN + ART Leipzig
14. Januar bis 14. April 2012

Die Skulptur in der Galerie besteht aus zwei Teilen: einer Wandarbeit, ‚Islands of Swarm’, die ein Archiv von Stadienbildern und assoziierten Architekturen, beinhaltet und einer Raumskulptur, ‚Mr.Hyde’, die ursprünglich als Display für das Archiv dienen sollte.

Ausgangspunkt für beide Arbeiten ist die Idee, dass Architekturen keine Behälter für menschliche Bedürfnisse darstellen – sondern dass Bedürftigkeiten und Menschlichkeiten von Architekturen generiert werden. Architekturen sind keine neutralen Schachteln für Gemeinschaften, sondern Gemeinschaften werden ausgehend von Kollektoren geformt und genormt.

Die spektakelproduzierende Gesellschaftsform namens Demokratie stellt selbst einen Effekt von Arenen dar, deren Errichtung sich von der Antike bis in die Postmoderne durchzieht – weswegen architektonische Kulturtechniken vom griechischen Stadion bis zu Allianz-Arenen im Archiv untersucht werden. Stadien werden als positive Bedingung von Öffentlichkeiten erforscht, die in derselben Bewegung hervorgebracht werden, mit der sich die Menschen im Kollektor verteilen. So ergeben sich verschiedene Fragen: Gibt es Öffentlichkeiten erst, seit es Gestelle der Versammlung gibt? Sind Demokratien reine Effekte von Stadionöffentlichkeiten? Wie verändert sich die Stadionöffentlichkeit durch die angeschlossenen Medien?

Stadien sind Kulturtechniken der Versammlung, Übertragung und Speicherung von künstlichen Welten. Als Medien sind sie keine passiven Empfänger menschlicher Zusammenkünfte, sondern aktive Teilnehmer an Ereignissen, deren Verlauf sie mit gestalten. Was in diesen »Gestellen« (Heidegger) sichtbar wird, ist nicht nur das Ereignis, aus dessen Anlass man sich versammelt hat. Die versammelnde Menge gibt sich auch selbst zu sehen – was Stadien mit verwandten Architekturen wie Opernhäusern oder Bühnenräumen gemeinsam haben.

Auszüge des Textes entstanden in Zusammenhang für eine Veranstaltung mit
Knut Ebelling

Kai Schiemenz beschäftigt sich in raumfüllenden Installationen und baugebundenen Arbeiten mit der Funktion und den vorgegebenen Parametern von Architektur, die er einerseits nutzt und gleichsam leicht verschiebt. In der Galerie EIGEN + ART wird der Ausgangsraum von Schiemenz so gespiegelt, dass ein neuer Raum entsteht. Dieser neue Raum scheint sich in sich selbst nicht optisch, sondern räumlich zu brechen und setzt der Frage nach der disziplinierenden Funktion der Architektur etwas gegenüber, das unabhängig seinen eigenen Regeln folgt.
aus: http://cgi.eigen-art.com/user-cgi-bin/index.php?article_id=1&clang=0&detail=9190

Total Theatre II

2011-10-01T07:25:00.000-07:00

The 24th UBE Biennale

Date：from 24 September to 13 November, 2011
Venue：UBE (Japan) Tokiwa Museum-Open Air Sculputure Exhibition site

The stage of a theatre place or building offers the space for dramatic action representing the world. The Total Theatre came about in relation to the idea of the "Theatre of Memory" described in 1550 by the Italian Renaissances scholar Giulio Camillo. In his theatre, which reverses the normal perspective of such buildings, the spectator stands in the centre and looks into the auditorium, which represents the world. Thus, the visitor no longer sits on the terraces looking at the drama performed on the stage, but stands himself amidst the scene viewing the (not existing) auditorium.

The Greek philosopher Plato used the dodecahedron as the quintessence the world/cosmos.
The Total Theatre is a walkable wooden dodecahedron, which you can enter from each side via triangles, stringed with a net. Rather than walking through the sculptures of the Biennale, visitors can lie the centre of a sculpture, exploring the world and turning the Biennale into a public event.
The spectator lies and sees everything outside of the structure, while relaxing.

the films are from the
ubemuseum's Channel

My great helpers!

and more great volonteers

most of the photos are taken by Mayu Sato

http://www.ube-museum.jp/modules/pico/

Lazy Sphere

2011-08-22T00:46:00.000-07:00

WIR SIND ALLE ASTRONAUTEN / WE ARE ALL ASTRONAUTS

UNIVERSUM RICHARD BUCKMINSTER FULLER IM SPIEGEL ZEITGENÖSSISCHER KUNST /
UNIVERSE RICHARD BUCKMINSTER FULLER REFLECTED IN CONTEMPORARY ART

11. Juni bis 18. September 2011 / June 11 – September 18, 2011

Richard Buckminster Fuller reflected in contemporary art, which will be on view from June, 11th at MARTa Herford; Germany. The exhibition is curated by Markus Richter in cooperation with the MARTa team and will coincide with the survey Bucky Fuller & Spaceship Earth, compiled by Norman Foster and Luis Fernández-Galiano. The exhibitions offer a comprehensive overview on Fuller’s designs & ideas from the early 4D-studies of the 1920ties to the later geodesic structures und presents him as well as an thought leader, whose ideas are still relevant and inspiring. We would be happy to welcome you at the opening on of the exhibitions on June, 10th at 7:30 pm in Herford.

The exhibition continues the artistic research on late modern visionary architecture and urbanism, which we started in 2008 with the project Megastructure Reloaded. We very much would like to thank MARTa director Roland Nachtigäller for the invitation to now realize an exhibition on Buckminster Fuller & contemporary art in collaboration with his team. The dynamic and polymorphic galleries of MARTa, built according to plans of Frank Gehry, provide a perfect backdrop for a show on Fuller, who was rebelling his whole live against the predominance of the cube and the inflexibility of the x-, y-, z-coordinates. The majority of artists invited to participate in the show dealt already extensively with Fullers ideas; like Ai Weiwei, Attila Csörgő, Björn Dahlem, José Dávila, Hermann Maier Neustadt, N55, Ólafur Elíasson, Franka Hörnschemeyer, Tobias Putrih, Pedro Reyes, Tomás Saraceno and Albrecht Schäfer. Besides, the exhibition encompasses works bySimon Dybbroe Møller, Michel François, Lucas Lenglet, David Maljkovic, and Beat Zoderer, whose connections with Fuller are not always obvious on the first sight. In addition we commissioned new projects by Riccardo Previdi, Silke Riechert, Kai Schiemenz, Kerstin Stoll and Tilman Wendland.

http://marta-herford.info/?page_id=9749
http://www.lodownmagazine.com/index.php?page=23&modaction=showItem&id=2122&PHPSESSID=889b709873f74b811faeeb7cada6d877

>http://markusrichter.net/pdfs/mr.jitterbug_variations.pdf

Spreekartografie

2011-08-20T02:49:00.000-07:00

concept for art in public

Spreekartografie
Schichtungen Schnitte Horizonte

Deutscher Bundestag
Erweiterung Marie-Elisabeth-Lüders-Haus

Landschaftsgeschichte als Kulturgeschichte

Für den Südhof des Marie-Elisabeth-Lüders-Haus soll eine Skulptur entstehen, die die historische Bedeutung des Spreebogens mit der der Landschaft verbindet. Wenn das Band des Bundes als ein symbolischer Schnitt durch die Landschaft zu verstehen ist, der die ehemals getrennten Stadthälften miteinander verbindet, so ist die Spreekartografie ein dreidimensionaler Schnitt durch diese Landschaft, der eine Brücke vom historischen Ort zur Landschaft schlägt.

Weil sich dieser Schnitt in der Erde befindet, zeigt er, was dem Auge üblicherweise verborgen bleibt: Er stellt die einzelnen Schichten der Ablagerungen von Pflanzen Bäumen und Sanden dar, die zu Auen, Mooren und Sümpfen wurden und zeigt die unterschiedlichen Verläufe der Spree vor dessen Regulierung. Durch die Bewegung des Auges über die Skulptur wird auf diese Weise ein geografisches Gedächtnis wachgerufen, das zu einer Spreekartografie wird.

Entwurf für den Südhof des Marie-Elisabeth-Lüders-Hauses

Verlorene Flüsse eingeprägt in die Landschaft
Berlin ist in einer Engstelle des Warschau-Berliner-Urstromtales, der Entwässerungsbahn aus der letzten Eiszeit, auf zwei Sanddünen gegründet, die die einzigen Erhebungen in diesem Tal bilden. Bis ins 19. Jahrhundert hinein befand sich hier eine Auenlandschaft, durch die sich die Spree mit ihrem ständig wandelnden Flussbett hindurchzog. Diese besondere Situation, in die Berlin hinein gegründet ist, als eine Stadt, die in solch einem Zentrum mobilen Untergrundes errichtet ist, erschien mir außergewöhnlich und wurde Anlass zu dieser Skulptur.

Die Spreekartografie wird als dreidimensionaler Schnitt im Maßstab 1: 50 im Innenhof des Marie-Elisabeth-Lüders-Hauses aufgerichtet. Die Säulen auf denen das Objekt ruht, haben den temporären Charakter einer Baurüstung, die das Landschaftsstück halten. Die Schichten selbst sind aus Hölzern gebaut, wie sie im Torf um den Spreebogen vorkommen. Im Torf finden sich Gehölze wie Erle, Sumpfeiche, Moorbirke, Spirke, Eberesche, Sumpfahorn, Silberweide und Robinie.
Die Form der Skulptur entwickelte sich aus verschiedenen geologischen Karten. Quellen dafür waren: die Karte des Königlich Preussischen Generalstabes 1987 im Maßstab 1:25000, die Sineck’schen Situationsplan 1873 im Maßstab 1:10000, der Historischen Atlas von Berlin 1835,die Geologische Karte der Stadt Berlin 1876 im Maßstab 1:10000.

Wenn man diese historischen Karten betrachtet, ist augenfällig, wie die Landschaft sich von der heutigen unterscheidet. Alte Flussläufe lassen sich hier noch erkennen. Das Gebiet des heutigen Spreebogens ist durch ein weitflächiges Sumpfgebiet entlang der Spree gekennzeichnet. Namen wie Moderloch oder Stadtheide findet man hier. Und der Weidendamm zeugt heute noch von der Landgewinnung und Eindämmung der Spree im 17. Jahrhunderts. Ansonsten merkt man aber vom ungehinderten Mäandrieren durch die ehemalige Auenlandschaft und der darin fließenden Spree heute wenig.

supfige Spreelandschaft

Schnitt vom der Mittelstr zum Weisendamm

Schitt durch Berlin von West nach Ost

Landschaft als Kartografie als Skulptur
Der Schnitt selbst in seiner Dimension wird zum Landschaftsobjekt oder besser Landschaftsfossil, über das sich der Passant mit dem Auge bewegt. In seiner Ausschnitthaftigkeit bleibt es jedoch Skulptur und bildet damit ein Gegenüber zu Schnitten und Karten moderner mathematischer Vermessung. Anders als kartografische Schnitte vereinfacht sie nicht die Idee einer Karte als hilfreiche Abkürzung einer komplexen Wirklichkeit. Es spiegelt sich zwar in ihr die natürliche Beschaffenheit des Geländes, jedoch verliert sich der Betrachtende in ihr, indem er sich durch sie als Objekt und Landschaft bewegt.

In dieser Weise changiert die Arbeit zwischen Landschaft, Landschaftsschnitt und Skulptur.

Ausstellung im Kunst-Raum des Bundestag vom 5. Juli, bis Sonntag, 11. September 2011

http://www.bundestag.de/dokumente/textarchiv/2011/34889868_drei_wettbewerbe/index.jsp

Let it Snow

2011-08-19T22:06:00.000-07:00

concept for public art

Neubau
einer Eissporthalle mit überdachter Außeneisfläche
in der Glockenturmstraße 14 (P 9) in 14053 Berlin,
Bezirk Charlottenburg-Wilmersdorf

Eingeladener Kunstwettbewerb

Die Eissporthalle in der Glockenturmstrasse, der Ort an dem sich Sportvereine und Bürger auf dem Eis zum Trainieren und Erholen treffen, erhält ein
Zeichen, das den Prozess der Kristallisation von Wassers spiegelt.
Auf einem vierteiligen großen ‚Fenster’, das den Haupteingang zur Eissporthalle links flankiert, und als Display dient, wird das Wachstum von Eiskristallen simuliert. Gesteuert wird dieser Prozess durch das jeweilige Wetter, dass eine Wetterstation, die sich neben dem Display befindet, misst.

Der Entwurf respektiert das bestehende Gebäude und fügt lediglich im Eingangsbereich ein ‚Fenster’/ Display hinzu, das die Genese der Wasserkristallisation darstellt und damit wieder eine Brücke zur Funktion der Hallen schlägt.

Das Portal
Das Display im Eingangsbereich zur Eissporthalle, gegenüber den vier Fahnenmasten begleitet den Eingang und wird zu dessen Portal, es hebt die Eingangssituation hervor.

Das Fenster
Gleich den Fensterscheiben aus meiner Kindheit, auf denen sich im Winter die fantastischsten Landschaften aus Eisblumen abbildeten, ist das ‚Fenster’ hier vor der Eissporthalle, ebenso ein lebendiges und dynamisches Gemälde, das das Wachstum der Schneeflocke wiedergibt. Es zeigt die Entfaltung der Eiskristalle, die dem menschlichen Auge verborgen bleibt.
Die vier großen Gläser sind aus Schaltbarem Glass, oder stromleitendes PVB-Verbundglas, das in seinem ursprünglichen Aussehen transparent ist, das jedoch seine Transparenz verliert, wenn eine Stromspannung anliegt. Dieses Display ist in unterschiedlich kleine Segmente unterteilt, die durch die Wetterstation, die den Luftdruck, den Wassergehalt der Luft, die Temperatur und die Windstärke misst, gesteuert wird. In Abhängigkeit von diesen Komponenten wächst oder schrumpft die Schneeflocke, wird filigraner oder grober. Entscheidend ist dabei die Veränderung der einzelnen Komponenten, der jeweilige Wechsel von warm nach kalt oder umgekehrt. Das macht den Betrieb über das ganze Jahr möglich.
Für die dunkle Jahreszeit ist vorgesehen die auf dem Display erscheinenden Schneeflocken durch Leucht-LEDs zu illuminieren, was den Charakter des Ephemeren und Nichtgreifbaren noch verstärkt, da im Augenblick der Illumination das Glas als Körper schwindet. Die Leucht-LEDs werden nicht sichtbar im Rahmen untergebracht.
Das Schaltbare Glass wird in Einzelanfertigung bei der Schott AG in Mainz hergestellt und besteht aus Verbundsicherheitsglasscheiben(VSG), die mit zwei übereinanderliegenden LCD-Folien, einer Hellgrauen und einer Dunkelgrauen, in sandwichweise miteinander verklebt werden. Aufgedruckte Mikrolinien gewährleisten die konstante Stromversorgung der nichtleuchtenden Flüssigkristalldisplay (LCDs). Die VSG- Scheiben werden mit BackPlates (laminierte Edelstahlbleche) an einem Gerüst aus Edelstahl-Quadratrohr befestigt, das im Fundament verankert wird (siehe Schnitt). Dies gewährleistet eine spannungslose Befestigung der Gläser. Im Rahmen befindet sich die Stromkontaktierung für das Schaltbare Glas. Da für die Stromkontaktierung die Basisglasscheibe ohne Bohrlöcher auskommt, kann diese sehr gut im Außenbereich eingesetzt werden.

Die Wetterstation
Die Wetterstation misst die einzelnen Wetterkomponenten. Die so gewonnen Daten speisen einen Computer, der einen Algorithmus generiert, der die entstehende Schneeflocke wachsen oder schrumpfen lässt, der eine Vielzahl der verschiedensten Kombinationen und Wachstumsvarianten errechet.
Die Begegnung der unterschiedlichen atmosphärischen Bedingungen erzeugt die Einzigartigkeit einer Schneeflocke. Je komplexer die Bedingungen sind, desto differenzierter wächst der Kristall. Es ist dieser Prozess, der der Schneeflocke zu ihrer Schönheit verhilft.
Zur Wetterstation gibt es eine Box im Fundament, die die Steuereinheit beherbergt. Diese ist so gebaut das keinerlei Wasser eindringen kann und eine Belüftung gewährleistet wird. Die Box erhält eine Revisionsklappe, die einen Zugriff auf die Steuerung ermöglicht und das Eindringen von Feuchtigkeit verhindert.

Das ‚Fenster’ spiegelt die Freude an der kalten Jahreszeit, In diesem Sinne: Let it Snow.

Entwicklung einer Schneeflocke bei hoher Luftfeuchtigkeit

Fotos von Schneeflocken, Ukichiro Nakaya, 1936

Kurzer Exkurs über das Wachstum der Schneeflocke
Jedes Jahr fallen ungefähr 1.000.000.000.000.000.000.000.000 Schneeflocken auf die Erde (laut New Scientists), was wohl jenseits des Verständnisses liegt. Hat man diese Zahl vor Augen scheint es unwahrscheinlich zu glauben, dass es keine zwei identischen Schneeflocken gibt.
Schneekristalle entstehen, wenn sich Wassermoleküle bei Temperaturen unter 0 Grad Celsius fest zusammenpacken. Sie bilden sich in Wolken, wenn sehr kleine, unterkühlte Wassertröpfchen gefrieren oder sich Wasserdampf direkt an Partikel (Staub) anlagert und gefriert. Die unterschiedlichen Stammformen der Schneekristalle hängen von der Temperatur ab – bei tieferen Temperaturen bilden sich Plättchen oder Prismen aus, bei höheren Temperaturen sechsarmige Sterne. Auch die Luftfeuchtigkeit beeinflusst das Kristallwachstum. Die größte Komplexität der Schneekristalle zeigt sich bei einer hohen Luftfeuchtigkeit, da diese auch noch filigraneren Strukturen das Wachsen ermöglicht. Bei sehr niedrigen Temperaturen sind die Eiskristalle nicht nur kleiner und einfacher gebaut, sondern es schneit auch weniger als bei Temperaturen knapp unter dem Gefrierpunkt, da die Luft dann kaum noch Feuchtigkeit enthält. Schnee ist wie Eis gefrorenes oder anders gesagt kristallisiertes Wasser. Und alle Eiskristalle haben sechs Seitenflächen. Sie bleiben jedoch kein strukturloses Hexagon. Sie wachsen zu außerordentlichen komplizierten Strukturen und sehen dabei so verschieden aus. Bei ihrer Bildung laufen starke gegensätzliche Prozesse ab, extremstes Chaos (unregelmäßige Muster von unglaublicher Vielfalt) und außerordentliche Ordnung (Symmetrie). Für den Menschen waren sie deshalb schon immer faszinierend.
In diesem Sinne sind sie Kunstwerke der Natur.

Danke für die Unterstützung von
David Griffeath
Stefan Pente
Iris Flügel

Donaukartografie; Wien

2010-12-20T08:04:00.000-08:00

Künstlerische Gestaltung der Station „Donaustadtbrücke und Donaumarina, 1220 Wien
Kooperation Wiener Linien und KÖR Kunst im öffentlichen Raum Wien
im Rahmen der U2 Verlängerung
Ausbaustufe 3: Verlängerung U2 - Nord bis Aspernstraße

Donaukartografie, Landschaft als Karte als Malerei

Satelitenkarte (http://www.wien.gv.at/stadtplan/)

1942. Die Putzfrau bittet um Auskunft, während sie das Arbeitszimmer des Professors reinigt und vor einer wandfüllenden Weltkarte steht: „Was ist denn das große Rote da?“ Das seien die Verein¬igten Staaten. „Und das riesige Grüne?“ Das sei die Sowjetunion. „Und wo ist denn nun das Großdeut¬sche Reich?“ Der Professor deutet auf den kleinen blauen Klecks in der Mitte Europas. Die Putzfrau, zu Tode erschrocken: „Weiß das der Führer?“

Ein Bahnhof ist ein Ort des Durchganges, des Transits, an dem der Reisende ungewollt warten muss, bis es weiter geht und der Zug kommt, der ihn durch die Landschaft befördert. Der Reisende schlendert über den Bahnsteig, versucht sich abzulenken, die Zeit zu überbrücken. In anderer Weise überbrückt die Donaukartografie die Zeit: Sie stellt die sich über die Jahrhunderte hinweg ständig wandelnde und überlagernde Flussverläufe der Donau dar, das als Karte auf den Bahnsteig graviert ist, sodass der Reisende während er über den Bahnsteig flaniert, sich sozusagen gleichzeitig durch Raum und Zeit be¬wegt.

Die Donau ist das landschaftliche Wahrzeichen Wiens. Sie fließt seit Jahrtausenden aus den Alpen kommend durch das Wiener Becken, in einem sich ständig wandelnden Bett, das sich in seiner Aus¬dehnung weit über die Grenzen Wiens hinaus erstreckt. Erst mit der Donauregulierung wurde dieser Prozess des unbehinderten Mäandrierens beendet. Dieses Verschwinden und an anderer Stelle wieder Auftauchen des Flussbettes, dabei Sandbänke schaffend, kleine Inseln hinterlassend, jedoch nirgendwo festen Grund findend, prägte die Geschichte der Stadt: Wien zeugt von dem instabilen und unstruktu¬rierten Gemenge ehemaliger Landschaften. Der Fluss dreht sich ostwärts, dann westwärts, dann wieder zurück. Innerhalb weniger Jahrzehnte entwickelten sich wiederholt völlig neue Geometrien, so dass über die Jahrhunderte ein Labyrinth sich überlagernder Flussläufe entstand, in dem jeder Einzelne auf unvermeidliche Weise langsam über die Zeit verschwindet, um wieder durch einen Anderen in neuer Form ersetzt zu werden. Diese ganzen alten Wege des Flusses, eingezeichnet in Steine und Erde, die einst durch die Hinterhöfe der Bauern flossen, sind eigentlich Fossile einer Landschaft. Verlorene Flüsse eingeprägt in die Landschaft. Die Tatsache, dass Wien in ein solches Zentrum mobilen Untergrundes erbaut wurde, erscheint ungewöhnlich und einzigartig: Eine Stadt gebaut auf hunderten von Hektar abgelagertem Auen¬schlamms, -lehms,–tons und Kiesen, der sich über die Jahrhunderte verfestigte.

Für die Bahnhöfe Donaumarina und Donaustadtbrücke wurde eine Idee entwickelt, die diese beson¬dere Situation, in die hinein Wien gegründet ist, berücksichtigt. Ausgangspunkt ist die geografische und städtebauliche Situation, die sich aus folgendem zusammensetzt: einerseits die mit dem Neubau der beiden Bahnhöfe geschaffenen Brückensituation über die Donau hinweg und anderseits der Erweiter¬ung Wiens durch ein Entwicklungsgebiet - der Donaumarina -, in dem sich Arbeit und Leben vereinen soll und das dazu Wien mit dem Erholungsgebiet der Donauinsel verbindet.

Das Werk verbindet die Situation des Wartens mit dem Ort, der Donaulandschaft, und dessen Land¬schaftsgeschichte. Längs des Verlaufes der beiden Bahnhöfe wird ein Schnitt gezogen, der sich über diese hinaus weit in das Wiener Becken hinein erstreckt, mit einer Ausdehnung von ca. 18km. Entlang dieses Schnitts wird der über die Jahrhunderte wechselnde Verlauf der Donau kartiert und als Gravur in die Bahnsteige der Bahnhöfe in einem Maßstab von 1:75 eingeschrieben. Dabei ist alles nördlich der Donau auf dem Bahnsteig der Donaustadtbrücke kartiert und alles südlich der Donau auf den Bahnstei¬gen der Donaumarina. Die Quellen, aus denen die Verläufe der Donau sich herleiten, gehen auf historische Karten zurück. Diese wurden in einem ungefähr halben Jahrhundertintervall seit 1710 übereinander geblendet. Die Zeitspanne von 300 Jahren ergibt sich aus dem Umstand, nur Karten benutzen zu können, die vermes¬sen wurden. Die erste nutzbare Karte ist die der Josephinische Landesaufnahme Wien, die um 1710 ge¬stochen wurde, die darauffolgende eine historische Karte aus dem Jahre 1770, dann eine Karte aus dem Jahre 1840, dann eine von der Planung des Donaudurchstichs um 1870 und über allen liegt eine Karte, die aus einer Satellitenaufnahme der Gegenwart hervorgeht und das Gebiet der heutigen Donau abbil¬det. Interessant ist es dabei zu betrachten, wie wenig die Donau sich seit über 135 Jahren verändert hat, dass sie genaugenommen in dieser Form seit 135 Jahren besteht. Um die einzelnen Karten auf dem Bahnsteig lesen zu können, sowohl geografisch als auch durch die Zeit hindurch, wurden aus den jeweiligen Karten die einzelnen Gewässernamen und Namen, die im Zusammenhang mit der Donau stehen, in einer Schrift aus der jeweiligen Zeit geschrieben. So stehen auf der Karte Namen, wie Krebswasser, die sich bis heute erhalten haben, neben anderen Namen, die es heute nicht mehr gibt, da die Landschaft sich umwandelte. Darüberhinaus stehen Flussnamen, die es heute noch gibt, die aber nicht mehr in ihrer ursprünglichen Benennung existieren, wie dem Wiener Arm, der auch als Wiener Wasser benannt wurde, der heute als Donau Kanal bezeichnet wird. Neben den ehemaligen Flussläufen der Donau, die sich in verschieden Farben darstellen, steht die Gewässer¬bezeichnung in der jeweiligen Schriftart der jeweiligen Karte, um ein zeitliches Einodnen ermöglichen zu können. Die Gewässerbezeichnungen werden entlang des Blindenleitsystems abgetragen, und wer¬den damit zur Legende der Karte. So ruft die Bewegung über den Bahnsteig ein geografisches Gedächtnis wach. Auch wenn die Karte in ihrer Dimension sozusagen selbst zur Landschaft wird, indem der Reisende ‚durch’ sie läuft, bleibt sie doch durch ihre Ausschnitthaftigkeit Malerei und bildet damit ein Gegenüber zu den Karten moderner mathematisch Vermessung. In gleicher Weise nutzt sie die Vogelperspektive, doch dem gegenüber vereinfacht sie damit nicht die Idee einer Karte als hilfreiche Abkürzung einer komplexen Wirklichkeit in einem handhabbaren Format. In ihr spiegelt sich die natürliche Beschaffen¬heit des Geländes, jedoch verliert sich der Reisende in ihr, indem er sich durch sie als Landschaft und Malerei bewegt. In ihrer Weise changiert die Arbeit zwischen Landschaft, Karte und Malerei.

Plan des Marchfeldes und Wiens, 1770

Donauverlauf erstellt durch eine zeitgenössische Karte des Donaudurchstichs
1870-1875 durch Raimund Hinkel; Floridsdorf

Flußbett der Donau vor der Begradigung

Verschiedene Gewässer und Landschaftsbezeichnungen Wiens und die in der Karte vorkommen

Donauverlauf erstellt durch den Plan des Marchfeldes und Wiens, 1824 mit den Grundrissen der Bahnsteige der Donaumarina und der Donaustadtbrücke

Light Projects, Melbourne

2010-11-22T21:10:00.000-08:00

Islands Of Swarm

About design of Architecture and Community

"That is the first task of storytelling. It opens up a theatre in order to legitimize actual deeds. It creates a realm where daring and accidental public practice become authorized." Michel Certeau.

The emersion of theatre, in its closed architectural appearance as we know, takes part in the same time as the development of the new laws of perspective in the Renaissance and the establishing of the civil city-state. Similar to the paintings of the Renaissance, which put the viewer in front of a well arranged painting, architectures of theatres freeze the viewers gaze and their position in an orderly perspective and thereby produce an ideal sight.

Islands of Swarm, parts of the archive of stadium, theater and other associated areas

The exhibition originates from my archive about stadiums, theatres and associated areas. A design is found in a construction, which transforms the archive in a special form/ object and generates a special map. Starting from the idea that architecture is not a container for human neediness, but that people needs and humanness are rather generated through architecture. The exhibition asks about the disciplining function of architecture, it is about approaches of action and other practices in the architectural space that generate a “social sculpture”, which in its best way is discursive as well as performativ- practical and asks for the connectivity of architecture and community.

http://light-projects.com/index.php?/upcoming/islands-of-swarm/

Paradise - 11th International Garden Festival in Les Jardins de Métis / Reford Gardens

2010-07-19T15:46:00.000-07:00

le balto invites Kai Schiemenz
Bois de biais: Ces jours-ci je suis fier de mon petit paradis
I’m So Proud of My Paradise These Days

June 26 to October 3, 2010

An Ambitious Program of Gardens
Recognized as one of the world’s leading garden festivals, the International Garden Festival features conceptual gardens that are at the crossroads of landscape architecture, garden design, architecture, design and environmental art. The event will take place on the site of Les Jardins de Métis / Reford Gardens from June 26 to October 3, 2010.

The 11th edition of the Festival will present 21 ephemeral gardens created by 65 designers from Australia, Canada, France, Germany, Italy, the Netherlands, United States and the United Kingdom. The lineup of conceptual gardens includes three new gardens by designers selected by a jury following an international competition and four new gardens created by designers from Berlin invited to take part in the Festival.

A garden is a space, in which we realize our beliefs in and our visions of social and natural ideal(s). It is an island, not a fathomless place such as Utopia. The garden is a showcase space, 1:1 implemented in the ground. It does not separate imagination from reality. For the 5th year of their garden called bois de biais, atelier le balto invited the Berlin based artist Kai Schiemenz to complete their landscape architecture. He suggested for their garden, which over time has almost become a forest of willows and poplars, to build a walkable structure out of wood. It paraphrases a type of a “folly”, where the visitor can enter and climb the stairs to the platform, to get an overview of the garden. But during the summer the trees will outgrow the structure and make it partially disappear. The sculpture works as an allegory that rewrites the beauty of a garden that grows into a forest.

scetch of I'm so proud of my garden, Collage

New Forms of Paradise
Since the beginning of time humans have imagined paradise on earth as a garden. These places, by evoking our senses, have pulled us out of our everyday world to experience the sublime. What does paradise look like today?

Building on emerging practices in landscape architecture, participating designers have been invited to imagine their garden of paradise; inspired by the history of gardening and exploring philosophy, religion and history and incorporating aspects of contemporary society and their own personal history to bring to life new forms, tastes, fragrances and paradisiacal landscapes.

Participating for the second time in the International Garden Festival, Berlin-based garden architects atelier le balto invited Kai Schiemenz to work with them for the 2010 International Garden Festival in the Jardin de Médis, Redford Gardens near Québec, Canada to install a folly in their previously designed garden "bois de biase".

The International Garden Festival is the leading contemporary garden festival in North America. Presented since 2000, the Festival has exhibited more than 115 gardens on the festival site and in Montreal, Toronto, France, Italy and the United Kingdom.

first modell

final modell

http://www.refordgardens.com/english/festival/garden-5-ces-jours-ci-je-suis-fier-de-mon-petit-paradis-bois-de-biais.php?EC=1

LUSH LIFE - at Lehmann Maupin Gallery

2010-07-19T12:55:00.000-07:00

We are not here to make friends
Iris Flügel und Kai Schiemenz

LUSH LIFE – Chapter 4: Let it Die at Lehmann Maupin Gallery

An exhibition inspired by Richard Price's novel of the same title
Featuring Artists in Nine Lower East Side Galleries, New York

Lehmann Maupin announces its participation in LUSH LIFE, an exhibition curated by Franklin Evans and Omar Lopez-Chahoud and inspired by Richard Price's 2008 novel of the same title. LUSH LIFE includes 60 artists, and nine Lower East Side galleries, including Lehmann Maupin. Each gallery will feature a sub-exhibition reflecting the idea of one of the nine chapters in the novel. Evans and Lopez-Chahoud selected one artist from each gallery and solicited additional artist recommendations from each of them to participate in the exhibition.

Detail of, We are not here to make friends

Foam Core Board, Wood, Spanish Moss, Orchids, Oyster-Mushrooms

I‘m not here to make friends is built as a model of an air-garden, an air-garden of decay in an open cubic structure. Air plants, for instance Tillandsia and orchids, which take their nutrition out of the air and oyster mushrooms, which once they are seated in a cultur medium need no further nutrition.

A forest, growing at its own over years, decades, yet all the plants are rooted in the air. You can actually sit there and contemplate about Charles Darwin, everyday, every week, watching those slow and ancient roots push deeper and deeper into the earth. Worms crawl, as if through space, forming tunnels – underground landscapes of air.

Lehmann Maupin will represent Chapter Four: Let it Die and will exhibit the work of Jackie Saccoccio, Jessica Dickinson, Matthew Weinstein, Dani Leventhal, Rashid Johnson, Claudia Weber, Jose Lerma, Kai Schiemenz, Iris Fluegel, Robert Beck, Robert Melee, Tommy Hartung, Nina Lola Bachhuber, Cynthia Lin and Amy Longenecker-Brown. Chapter four in Price's novel addresses the attempt to ignore and let a story die, to allow for a neighborhood's history to die, and to actively bury the past and the difficulty of finding a fairer answer/resolution to a complex situation.

Both Jackie Saccoccio and Jessica Dickinson offer works that through their process-based painting and drawing emphasize the physical layers of residue to a literal past. Saccoccio's work looks to an earlier era (mid-century New York abstraction). Dani Leventhal's blood/skinning drawings, Matthew Weinstein's death-tracking skeletal hand and frisbee, and Rashid Johnson's literal death reflection mirror present the subject as non-elusively and frontal.

Claudia Weber, Jose Lerma, Kai Schiemenz, Iris Fluegel, Nina Lola Bachhuber, and Amy Longenecker-Brown will be making work specific to the consideration of both history passing (its death) and the neighborhood in transition, both themes of Price's novel. Robert Melee's and Tommy Hartung's sculptures challenge the ease to which a past can disappear and/or morph into a new form. Cynthia Lin's larger-than-life distorted drawing of skin has an allusion to a possible lifeless state. While, Robert Beck's site-specific shrine alludes to the shrine in the novel that emerges after the murder and erodes in a short week.

Collective Opening Reception
A collective opening of all participating galleries will take place on Thursday, July 8th from 6–9 pm, however, exhibition dates throughout June and July will vary for each gallery.

About the Novel
Price's novel is set in the contemporary Lower East Side and, through a murder investigation, exposes the dynamically changing community of the neighborhood, which despite its evolution retains a ghostly and vital link to its layered past. The deep and varied history of the neighborhood now includes the Lower East Side galleries as new community members. The premise of community is reflected in the cooperative nature of the galleries' and artists' participation in the exhibition, which uses Price's novel to critically consider concepts of neighborhood and change. LUSH LIFE will be the present for what will become a living ghost to the future form into which the Lower East Side will inevitably morph.

For gallery news and exclusive artist updates become a Facebook Fan of Lehmann Maupin. http://www.lehmannmaupin.com/

Media Contacts:
Lehmann Maupin
Bethanie Brady
212 255 2923
Bethanie@lehmannmaupin.com

The Knot _ linking the existing with the imaginary – mobile unit for artistic production and presentation

2010-05-27T13:22:00.000-07:00

House of the blurry edges

Kai Schiemenz in collaboration with Iris Flügel

THE KNOT is a mobile platform for artistic production and presentation that occupies different public places in the cities of Berlin, Warsaw and Bucharest from the end of April till end of October 2010.

Conceived as a nomadic, temporary site, THE KNOT creates an innovative framework for performing the habitual as well as the unexpected. It is a new site for experiencing different modes of interaction and cooperation, for exchanging theoretical and practical knowledge, and for testing various fields of engagement with the public sphere. The core venue for all project activities is a specially designed architectural structure, adaptable to the diverse urban situations it encounters, and inspirational for a wider discussion on the shapes of tomorrow’s agoras. In its lightweight, easily expandable form, the mobile unit fits a multitude of heterogeneous uses and creates a temporary and hospitable shelter for different activities, many of them simultaneous. The public is invited to take part in the production of the various projects.

Model for the house of the blurry edges

Possible choreography with the model

A structure like a three dimensional cube puzzle in the size of 200 x 200 x 200 cm. It is dimensioned to be transported in a truck with standard dimension 210 x 210 x 400 cm. It is built in four parts out of wood and painted with different colours of blackboard paint (black, green, plaid pink, grey). The main idea is that you are able to change the object in different types of use in refer to the needs.
It is an It-Could-Be-Structure, a useable display: as a platform, as theater, as a garden, as a monument or after all a simple sculpture. A choreographed sculpture which starts as a cube, like a Malevich’s Kaaba in Berlin and morphs during the whole voyage into an exploding observation point with a garden inside (very metaphorical) in Bucharest.
During this time the structure is an Everyone-Can-Use-Structure, a source for something else, something could-be, everyone is able to extend the structure in a temporarily sense, what means that after the using it should be possible to move the single parts back into each other - back to its innocent cubical form.

în progess in Tempelhof, Berlin

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in Warzaw

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in Bucharest

link: http://knotland.net/index.php?id=33
www.facebook.com/...KNOT-mobile-unit/181669342405

Kunstwettbewerb für den Neubau der Justizvollzugsanstalt Düppel

2010-05-26T13:10:00.000-07:00

Verborgene Landschaften in kleinen Räumen

Kai Schiemenz in Kooperation mit Iris Flügel

An architectural code reflects and directs the social order.
Dan Graham

Im Gefängnis gewesen zu sein, ... ist die Berührung mit einer abgesonderten Welt, die eingemauert zwischen uns ragt und von der wir weniger wissen als von Tibet oder den Osterinseln!
C. v. Ossietzky

Ausgangspunkt und Idee
Ein Gefängnis ist ein abgeschlossenes Terrain in dem Menschen räumlich von anderen abgesondert werden. Der Freiheitsentzug soll den Täter auf eine straffreie Zukunft vorbereiten und entfaltet sich als eine komplexe Aporie (3), denn einerseits verliert der Insasse dort Lebenszeit, der soziale Kontext des Straftäters wird destruiert und es werden damit seine wichtigsten Lebensbezüge aufgelöst, andererseits wird er darauf vorbereitet in die Zivilgesellschaft zurückzukehren und ist speziell im offenen Vollzug auf dem Weg der Wiedereingliederung.

Mein Vorschlag für die JVA Düppel beschäftigt sich mit der besonderen Situation des Ausschließens und Einschließens, in dem Räume entwickelt werden, die Fragen des Zugangs, der Inklusion und Exklusion verhandeln und damit nach dem Verhältnis der Insassen, Bediensteten und der Besucher (Gesellschaft) fragen. Mit den Verborgene Landschaften in kleinen Räumen für die JVA Düppel sollen zwei sich aufeinander beziehende Skulpturen geschaffen werden, die sich im Lichthof und im Innenhof des Neubaus befinden.

Entwurfsansich Lichthof

Erster Ort: Der Lichthof
In den Lichthof soll zwischen dem ersten und zweiten Stock in Höhe der Decke, eine Balkenkonstruktion aus Stahl eingezogen werden, die ein lichtdurchlässiges Raster bildet. Die Balken werden durch zwei Kreise geschnitten und um deren Schnittachsen so gedreht, das eine verschobene Struktur entsteht (siehe Lageplan Grundriss und Detailansicht). Diese dient als Pflanzgefäße in welches Pflanzen eingebracht werden, die sich über die Höhe des zweiten und dritten Stocks erstrecken (siehe Modell Lichthof und Schnitt A). Die eingezogene Struktur gliedert den Lichthof in verschiedene Zonen, Öffentliche und Nicht-Öffentliche, Einsichtige und Nicht -Einsichtige.
Für den Besucher bleibt der Einblick in den Lichthof leer und doch erhält er durch das Schattenspiel der Pflanzen und der Struktur einen Verweis auf die anderen, ihm nicht zugänglichen, Räume und Geschosse. Der sichtbare Gegenstand, der Garten, entzieht sich dem Blick des Besuchers. Nur den Insassen und Bediensteten der JVA ist es möglich den Garten als Ganzes, aus den einzelnen Stockwerken, erfassen. Die Verbogenen Landschaften in kleinen Räumen dienen sowohl der Betrachtung als auch der Reflexion.

Einblick in den Lichthof von unten

Entwicklung der Schnitte des Rasters

Einblick in den Lichthof von oben

Zweiter Ort: Der Innenhof
Ähnlich wie im Lichthof fragt die zweite Skulptur im Innenhof des Neubaues nach dem Verhältnis des Betrachters zu dem ihn umgebenden Raum.
Wo befindet sich das Innen und wo das Außen? Wem ist es möglich zu partizipieren und in welcher Weise? Wer ist ausgeschlossen und wer eingeschlossen? Wer gestaltet?
Die Skulptur wird so errichtet, dass sie sich erst in der Bewegung auf die Arbeit zu oder an ihr vorbei erschließt. Aus der Entfernung des Besucherraumes, den Einzelunterkünften und den Gemeinschaftsräumen stellt sich ein geschnittenes Muster in Beton dar (siehe Lageplan Grundriß + Detail-Ansichten), das in den Boden des Innenhofes eingelassen ist. Indem sich der Betrachter auf die Arbeit zu bewegt, verändert sich der Einblick; mit geringerwerdender Distanz ist möglich in die geschnittenen Formen zu blicken, die sich als verborgener Garten erschließen, in dem die verschiedensten Pflanzen und kleinswüchsigen Bäumen wachsen und unterschiedliche Mikro-Landschaften bilden (Siehe Bepflanzungsvorschläge).
Das geschnittene Muster selbst hat seinen Ursprung in Broderiebeeten barocker Gärten. Es wurde viermal unregelmäßig geschnitten, und aneinander entlang verschoben, bezugnehmend auf die Struktur im Lichthof (Siehe Detailansicht B).

Über die räumlich Ebene der Verbogenen Landschaften in kleinen Räumen hinaus, berühret die Skulptur Fragen des Umgangs und der Gestaltung des Lebensraums, hier im Besonderen des Gartens. Der Garten ist ein Ort, der die Wünsche und Vorstellungen von Natur und Welt, der jeweils geltenden Gesellschafts- und Naturideale entsprechend spiegelt.

Ansicht des Innenhofes

Detail

Kunst- und Landschaftsarchitekturwettbewerb Bundesarchiv

2009-08-28T09:37:00.000-07:00

Park des Archivars

Ausstellung: Kai Schiemenz und atelier le balto

3.Preis 7. Juli 2009 – 18:00
7. Juli 2009: Eröffnung der Ausstellung über das Wettbewerbergebnis

Ort: Cranzbau, Fasanenstraße 87, 10623 Berlin

Dauer der Ausstellung: 7.07.09 bis 17.07.09

Im Rahmen des interdisziplinären Realisierungswettbewerbs für Künstler undLandschaftsarchitekten für das BUNDESARCHIV in Berlin1. Phase: Freitag, 16.01.20092. Phase: Mittwoch, 29.04.2009

picture: 3D: Laurent Dugua und grafic: Chloé Sanson

PARK DES ARCHIVARS
Aus der Zusammenarbeit für das Bundesarchiv in Berlin ergab sich eine Situation, die zu einer Kollaboration führte. Wir verstehen Kollaboration, als ein offenes Konzept, als eine Kooperation, als einen über die Grenzen hinaus sich befruchtenden Austausch, der über bloße Beteiligung hinausgeht, in dem sich die Arbeitsmethoden der einzelnen Bereiche verschränken.In dieser Weise gibt es in unserem Wettbewerbsbeitrag für das Bundesarchiv keine eindeutige Zuordnung der künstlerischen und landschaftsarchitektonisch / gärtnerischen Arbeit. Vielmehr entstand eine Co-Autorenschaft.

Unsere AusgangspunkteWelches sind die jeweils kulturellen Werte, die Eingang in eine Sammlung finden, und was wird als wertlos im „profanen Raum außerhalb des Archivs“ Boris Groys verbleiben? Das Archiv verhandelt demzufolge Aussagen über kulturelle Relevanz und ist eher eine Praxis als ein Gebäude.

Der Vorplatzbereich:

Die Große Bank versteht sich als eine gärtnerische Einführung der Idee des Innenhofes, ein Ort des Wartens und Sammelns, der Vorbereitung. Eine große Bank (5m x 5m) wird um die Platane gebaut, die einen Ort des Verweilens auf dem Vorplatz schafft. Einen Punkt des Zusammenkommens und sozialen Miteinanders.

Der Innenhof„Ein öffentlicher Raum entsteht in der Begegnung der erzählten Geschichte mit dem Reichtum an Erfahrung.“ Alexander KlugeMit der Gestaltung des Innenhofes des Bundesarchivs soll ein öffentlicher Raum entstehen, der sich direkt auf die Fragen der Inklusion und Exklusion bezieht.
Landschaft als Struktur / Landschaft als IntervallDer Innenhof des Bundesarchiv soll aus einer quadratisch geneigten Asphaltfläche (30m x 30m) bestehen, die sich als eine Landschaft versteht. Durch diese Asphaltfläche zieht sich ein 340m langes gefaltetes Band, das so in die Bodenplatte geschnitten ist, dass der eine Teil als Graben darin verschwindet und der andere eine Einfassung bildet. Dieses Band ist ein langgestrecktes Hoch-Beet (90 cm breit), das sich in ein Tief-Beet umformt und dabei selbst nicht geneigt ist. (Siehe Modell + 3-D Modell + Schnitt B)Die Bodenplatte ist zum Foyer hin so geneigt, dass sie dem Besucher des Archivs unterschiedlichste Blickrichtungen ermöglicht und sich von verschiedensten Bereichen des Gebäudes beobachten lässt. (Siehe Modell + 3-D Modelle)

Um dem Boden halten zu können, werden die Hoch-Beete durch eine in Berlin weit verbreitete Konstruktionsweise mit Eichenbohlen und feuerverzinkten Stahlträgern gefasst. Die Tief-Beet werden mit Zement-Bohlen seitlich begrenzt. (Siehe Schnitt B + Detailzeichnung). Die geneigte Bodenplatte ist durch L-Fertigteile aus Beton von einem 3m breitem Rahmen entlang der Fassaden getrennt bzw. eingefasst.

Diese Formation dient der Entwicklung eines Parks, des Parks des Archivars, der innerhalb von 10 Jahren durch die Autoren/Entwurfsverfasser selbst realisiert und entwickelt wird. Er versteht sich als ein Raumlaboratorium des Erd-Bodens, das die Prozesse des Bodens, seiner Herstellung/Kompostierung und der lebenden Prozesse darin, darzustellen versucht. (Siehe Partituren der vier Spielzeiten)Auf diese Weise behandelt der Park des Archivars diesen Ort als ein Terrain, das sich der direkten Sichtbarkeit entzieht. (Siehe Schnitt A + Detail-Ansichten)

picture: 3D: Laurent Dugua und grafic: Chloé Sanson

Entwicklung des Parks des ArchivarsDie erste Spielzeit: Der Fond des Archivars/ bringen und kompostierenZu Beginn sind die Beete leer und trocken.Innerhalb des ersten Jahres werden sie peu à peu mit verschiedenen Böden der Stadt und der Region Berlins und mit Laub, Gras und Ästen des Areals, das das Bundesarchiv umschließ gefüllt. Die Böden werden aus ausgesuchten Grundstücken der Stadt, die sich im Augenblick im Wandel befinden (beispielsweise eine kommende Baustelle), gewonnen und zum Innenhof gebracht.Daraus entsteht innerhalb der folgenden zwei Jahre ein Kompost, in dem die sandigen und anderen Böden in unterschiedlichen Verhältnissen vermischt werden, so dass verschiedene Erdequalitäten entstehen, mal sandig/armer Boden, mal reicher Boden. Durch Samen, die bereits im Boden enthalten sind und Vogelflug wird sich in einigen Bereichen sich die Vegetation spontan entwickeln. In dieser Periode wird der Gärtner/ Autor/ Entwurfsverfasser die Kompostierung fördern und je nach Situation das Überleben der Spontanenvegetation sichern oder vermeiden. Ein bestimmter Bereich, der Tu Nichts Garten, wird vor dem menschlichen Eingriff beschützt und kann sich aus sich heraus entwickeln. (z.B. die zwei Beeten in der Mitte der Bodenplatte. (Siehe Partitur)Die ersten drei Jahren sind der Versuch den Boden zu ordnen und zu sortieren, durch ähnliche Richtlinien zu behandeln mit denen ein Archiv arbeitet, in dem es ebenso, wie ein Archiv als Speicher und Verarbeitungssystem des Sammelns und Aussonderns, des Aufbewahrens und Erhaltens, funktioniert.

Die drei folgenden Perioden, die sich wie die erste als Spielzeiten verstehen lassen, werden verschiedenen Pflanzen-Materialien gewidmet.

Die zweite Spielzeit: Die Sammlung des Archivars/ auswählen und eingraben In diese Periode werden diverse Reproduktionsteile von speziellen Züchtern und dem Botanischen Garten gesammelt, wie Samen, Sporen, Keime, Zwiebeln, Knollen und rhizomattische Gewächse. Sie werden durch den Autor ausgewählt und nach vom Autor bestimmten Kriterien eingegraben. Ein Beispiel: in den ersten 50m des 340m lang gefalteten Bandes werden Samen ausgesät, in den zweiten 50m werden nur Zwiebeln gesteckt, dann werden 50m nur Knollen gesteckt, dann Nichts (der Tu Nichts Garten) und dann werden 50m Rhizome eingebracht. (Siehe Partitur)

Die dritte Spielzeit: Die Gärten des Archivars/ sichten und ordnenIn diese Zeit wird für den Betrachter/Beobachter das gefaltete Band mehr und mehr wie eine Folge von Gärten aussehen. Diese Gärten werden durch das Mischen der Samen, Knollen und Zwiebeln mit den rhizomattischen Gewächse entstehen. Das Sichten und Ordnern des Materialien, wird nicht durch das Abbild des Parks, welches aus seiner Entwicklung hervorgeht, beeinflusst. Die Organisation und Konstitution des gefalteten Bandes passiert aus den Rhizomstrukturen, den Wurzeln, den Würmern und den Samen selbst, und aus Prinzipen, die im Dunkel des Bodens geschehen.

Die vierte Spielzeit: Der Park des Archivars/ zur weiteren EntwicklungDie aus der dritten Phase entstandene Pflanzenfläche und das Pflanzenvolumen wird sich je nach Bodenqualität, klimatischen Bedingungen und den Entscheidungen, die wir die Gärtner/Autoren treffen während ein weiteres Jahr entwickeln. Der Garten als beschützter, als „paradiesischer“ Ort, der ein Idyll verkörpert findet hier eine neue Ausprägung. Die 10 Jahre-Spiel ermöglicht es dem Garten, die Zeit zu lassen, die die Natur zum Wachsen braucht. Je länger die Spielzeit, desto rhizomattischer die Archivierung.
Dem Besucher/Betrachter wird in die gesamte Spielzeit ein Ort angeboten, der sich in einem ständigem Wandel befindet, in einem permanentem Umbruch.

Am Ende der vertieften und bereichendend Kooperation zwischenLandschaftsarchitekten und Künstler, den Gärtners/Autors, wird ein Park entstanden sein, der eine Archivierung eines lebendigen Material versucht hat.Die Anwesenheit des Gärtners/Autors spielt während der 10 Jahre eine zentrale Rolle. Nach diesem Mandat hat der Park des Archivars seine Form erhalten, dann wird er in die pflegende Hand eines Gärtner-Meisters übergeben.

picture: 3D: Laurent Dugua und grafic: Chloé Sanson

Aus dem Juryprotokoll:

PARK DES ARCHIVARS
Diese Arbeit wurde besonders intensiv und kontrovers von der Jury diskutiert. Der kooperative, prozessuale Ansatz des Entwurfes wird umfassend gewürdigt, stellt aber zugleich für den Nutzer eine Herausforderung sowohl hinsichtlich der Logistik als auch der Ästhetik des Ortes dar.Immer wieder stellt sich in der Diskussion die Frage nach der künstlerischen Form. Auch unter der Maßgabe, dass es sich um einen künstlerisch– gärtnerischen Ansatz handelt, der die Skepsis gegenüber der scheinbar genialen Setzungen eines einzelnen Autors zum Ausdruck bringt, stellt sich ohne Zweifel die Frage nach der Vermittelbarkeit und Lesbarkeit.

Die geneigte Bodenplatte benutzt das Motiv der Instabilität und Balance, die durchaus analog zur immer wieder notwendigen Neuinterpretation bestehender Fakten im Rahmen wissenschaftlichen Arbeitens im Archiv gelesen werden kann.Positiv wird der gewählte Zeithorizont gesehen, der dem Entwurfscharakter künstlerischer und wissenschaftlicher Arbeit unter dem Stichwort „das Archiv braucht den Autor“ Platz einräumt.Die Gestalt der Bodenplatte aus schwarzem Asphalt und dem mäandrierenden Band aus Beeten hat den Charakter eines abstrakten, grafischen Musters, das von der Hauptschauseite aus langsam ansteigt.Welche tatsächliche Ästhetik die Bepflanzung innerhalb der verschiedenen Spielzeiten entwickeln wird, bleibt manchem Preisrichter zu offen.Das Projekt fordert den Auftraggeber gewissermaßen heraus, sich auf einen zeitbasierten, prozessualen und sozialen Ansatz einzulassen und erweitert so den Ansatz einer „Kunst am Bau“ zu einer „Kunst mit dem Ort“.

links: http://europaconcorsi.com/projects/100044-Kunst-und-Landschaftsarchitekturwettbewerb-Bundesarchiv

Deutsche Werkstätten Hellerau, 2009

2009-07-28T09:52:00.000-07:00

Now, I’ll go and fix my garden

“In einer Gemeinschaft, die ausschließlich von wirtschaftlichen Interessen geprägt ist, erschöpft sich die Gemeinschaft.” Bruno Taut 1911

Die Idee der Gartenstadt entstand zu Beginn des vergangenen Jahrhunderts, als eine Reaktion auf die durch die Industrialisierung entstandene Verdichtung der Städte und der damit einhergehenden Sehnsucht nach einem naturverbundenem Leben und Arbeiten.
Heute verbirgt sich unter dem Begriff der Gartenstadt eine Vielzahl unterschiedlicher Bedeutungen und deren ursprüngliche Idee überwachsen zu sein scheint.

Angefragt für eine Arbeit im Rahmen der Ausstellung 100 Jahre Gartenstadt Hellerau, luden mich die Deutschen Werkstätten Hellerau ein, eine Skulptur auf ihrem Gelände zu realisieren.

Dafür entwickelte ich eine aus Holzlatten und Bandeisen gebaute Skulptur einer Blumenetagere. Diese wurde mit ein- und mehrjährigem Hopfen bepflanzt, sodass sie in den nächsten Jahren bis zur Unsichtbarkeit überwuchert. Mit dem Verschwinden der Skulptur wird eine Art zweiter Skulptur entstehen, die abhängig vom Verlauf des Jahreskreis unterschiedlich erscheinen wird. Sie ist als eine Erweiterung zum Landschaftspark der Deutschen Werkstätten Hellerau zu verstehen, ein Versuch an die ursprüngliche Idee der Gartenstadt anknüpfen, die aus einer Arbeitsgemeinschaft eine Lebensgemeinschaft herauszubilden versuchte.

Kunstverein Harburger Bahnhof - space revised #4 Manufactured Communities. Raum und Gemeinschaft, 2009

2009-06-08T03:36:00.000-07:00

The abandoned Architect's chamber, deserted for unsatisfied enquiries.
Die verlassene Kammer des Architekten

Foto: Leopold Landrichter

6. Mai – 12. Juli Kunstverein Harburger Bahnhof space revised #4 Manufactured Communities. Raum und Gemeinschaft »Reihe:Ordnung sagt – Zukunft« mit Kai Schiemenz

650 x 830 x 420 in Sperrholz und mit Holzleisten

Mit dieser Ausstellung des Berliner Künstlers Kai Schiemenz findet die Ausstellungsfolge Reihe:Ordnung unter dem Schlagwort ZUKUNFT ihren Abschluss. Auch wenn sich die Reihe:Ordnung immer jedem Anspruch auf Repräsentation unter den titelgebenden Schlagworten Arbeit, Liebe, Geld, Sex, Macht und Freiheit erklärtermassen entzog, konfrontierte sie doch die künstlerischen Positionen mit einer jeweiligen Erwartung des Publikums. Diese Erwartung bildete sich aus kulturellen Paradigmen, wie auch aus subjektiven Erfahrungen als Zeichen der Verhandelbarkeit dieser Gesellschaft konstituierenden Begriffe und Werte. Die Ausstellungen der Reihe:Ordnung sollten als eine Form des kollektiven Zugangs für Künstler, Kuratoren und Publikum verstanden werden, mit dem Ziel über künstlerische Abstraktion einen subjektiven Standpunkt über das Kunstwerk hinaus zu evozieren und sinnlich, wie auch diskursiv erfahrbar zu machen.

Foto: Philip Gaisser

veranstaltung des wirtschaftsverein süderelbe: kreativität als innovationsfaktor

Für diese Ausstellung hat Kai Schiemenz einen Kollektor an der Grenze von Architekturmodell und Skupltur entworfen. Seit 2003 konstruiert Schiemenz diese Kollektoren, ausgehend von einer Theorie der Arenen und neuzeitlichen Stadien. Stadien sind der Architektur-gewordene Ausdruck von Gemeinschaft in der Masse. Das Ereignis ist dabei neben dem äusseren Grund des Zusammenkommens (Sportveranstaltung, Konzert etc.) auch die Masse und ihre Sichtbarkeit selbst. Die Architektur des Stadions »reagiert damit auf ein Begehren nach Überschreitung der Ich-Grenzen und nach Verschmelzung mit dem Anderen« (Knut Ebeling im Katalog des Künstlers). Schiemenz hat den totalitären Ausdruck dieser Architektur erkannt und zunehmend versucht, den von ihr geformten Raum in seinen Modellen zu enthierarchisieren und diesem Anliegen auch eine äusseren Ausdruck zu geben.
Architektur wird nicht als neutrale Schachtel begriffen, sondern als konstitutives Element: Gemeinschaften werden ausgehend von Kollektoren geformt und genormt.

»Die verlassene Kammer des Architekten« ist der Titel der für den Kunstverein Harburger Bahnhof entstandenen Arbeit. Im Gegensatz zum Stadion, bei dem das Äussere das Innere autoritär umschliesst, mit dem Ziel ihm ein eindeutiges Zentrum zu geben, scheint hier das Äussere durch seine polygonen Formen in viele Richtungen nach Aussen zu weisen. Dadurch heterogenisiert sich sein Inneres und eröffnet die Möchkeit mehrerer Blickzentren. Schiemenz stellt sich dieser architekturtypischen Betrachtung, indem er seine Skulptur über eine funktionale Treppe und einen Eintritt begehbar macht. Damit wird dieser Kollektor, unter Verwais auf damalige Revolutions-konstruktivistische Modelle, zu einem Entwurf einer Möglichkeit von Gemeinschaft, die mehr von einer Vielheit (»Multitude«) ausgeht, als von einem disziplinierten Ganzen. Die äussere Form umkreisende Ringe unstreichen die Organik eines solch utopischen Ansatzes.

Im Rahmen dieser Ausstellung möchte der Kunstverein Harburger Bahnhof sehr unterschiedliche Veranstaltungsformate im Bezug auf die Wirkung unter diesem Kollektoren untersuchen und für einen Katalogbeitrag fotografisch auswerten.

Die Ausstellung ist zugleich der vierte Beitrag einer Kooperation mit der Halle für Kunst Lüneburg, der Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen und dem Künstlerhaus Bremen unter dem Titel »Space Revised« (überprüfter Raum). Die vier Ausstellungen werden nahezu zeitgleich eröffnet und gemeinsam im besagten Katalog zusammengefasst.

Veranstaltungen im Rahmen der Ausstellung

Samstag, 16. Mai 2009
Lange Nacht der Museen
18.00 bis 2.00
ab 18.00 stündliche Führungen durch die Ausstellung
dann 2 Konzerte:
22.00 Miss le Bomb
24.00 Arne Zank "LOVE and HATE from A to Z"

Montag, 25. Mai, 18.00
»Kreativität als Innovationsmotor – neue Kooperationen in Zeiten des Wandels«
eine Veranstaltung des Wirtschaftsvereins für den Hamburger Süden mit den Unternehmensberatern Marion und Klaus Elle.

Samstag, 30. Mai, 17.00: High Tea des Verlags Philo Fine Arts
Der Autor Robert Pfaller spricht anlässlich des neuen Fundusbandes "Interpassivität" über Kuratoren und andere interpassive Kunst-Elemente.

Samstag, 6. Juni, 17.00: High Tea des Verlags Philo Fine Arts
Christian Janecke (HFG Offenbach) über »Performance und Bild / Performance als Bild«

Freitag 12.Juni
eine Veranstaltung im Rahmen des Hamburger Architektursommers
19.00 : Führung durch die Ausstellung
20.00 : "Archäologie des öffentlichen Raums"
ein moderiertes Gespräch zwischen Kai Schiemenz (bildender Künstler) und Knut Ebeling (Kulturwissenschaftler) über eine künstlerisch-wissenschaftliche Raumforschung zu Stadien.

Freitag 19.Juni 09, 20.30
»Über die negative Affirmation«
ein Vortrag von Prof. Dr. sc. tc. h.c. Bazon Brock

Mittwoch, 24. Juni
Donnerstag, 25. Juni, jeweils 19.30
»Haltestelle.Geister« von Helmut Krausser
Kurs Darstellendes Spiel, 4.Semester des Gymnasiums Süderelbe

Samstag, 11.Juli
»Revue #1 Session« (Hamburger Version)
Armin Chodzinskis Bühnenmanuskript, 2007 für den ersten Teil der Reihe:Ordnung geschrieben, zum Abschluss zu einer Aufführung gebracht durch Joel Verwimp

6. Mai – 12. Juli
Kunstverein Harburger Bahnhof
space revised #4 Manufactured Communities. Raum und Gemeinschaft
»Reihe:Ordnung sagt – Zukunft« mit Kai Schiemenz

links: www.kunstvereinharburgerbahnhof.de
http://www.spiegel.de/kultur/gesellschaft/0,1518,625568,00.html
http://kunstschau.netsamurai.de/2009/06/09/space-oddity-im-warteraum-kai-schiemenz-im-harburger-bahnhof/
http://www.art-magazin.de/kunst/18583/space_revised_bremen_hamburg_lueneburg
http://www.taz.de/1/archiv/print-archiv/printressorts/digi-artikel/?ressort=ku&dig=2009%2F05%2F16%2Fa0195&cHash=30d06b7c16

Bundesgartenschau 2009 Schwerin - Entworfene Natur

2009-04-29T01:13:00.000-07:00

Where the earth is the sky is the earth

Kai Schiemenz hat das begehbare Modell eines Theatro della Memoria aufgebaut, das auf Giulio Camillo aus der italienischen Renaissance zurückgeht. Schiemenz entführt die Besucher in eine Art meditatives Theater, in dem sie Wachstum, Nutzen und Schönheit der Natur auf besondere Weise erleben können. Zu beobachten sind spezielle Orchideen, die ihre Nahrung aus der Luft ziehen oder Austernpilze, die - einmal in den Nährboden ausgesät - keine weitere Nahrung benötigen. Der Titel der Arbeit geht zurück auf einen Dokumentarfilm aus den 1960er Jahren, der das Bevölkerungswachstum und den rapiden Klimawandel untersuchte.

Where the earth is the sky is the earth; 550 x 600 x 600; Holz und Metall

Ein Garten ist ein abgeschlossenes Terrain, in dem unsere Vorstellungen der Welt, den jeweils geltenden Gesellschafts- und Naturidealen entsprechend gestaltet wird. Die ersten Gärten der Renaissance waren als Skulpturengärten, als Theater, archäologische Museen, botanische Enzyklopädien und auch als Vergnügungsparks gebaut. In ihnen herrschte die Vorstellung, das der Mensch aus dem Paradies stammt. So ist der Garten zu einem abgegrenzten Bereich geworden in dem ‚Ewiges Leben’ herrscht. Oft waren sie abgeleitet aus antiken Texten, beispielsweise den Metamorphosen Ovids. In ihnen wurden metaphorische Ketten hergestellt, die Natur direkt mit Künstlichkeit verknüpften, in denen Natur Kunst imitierte und Kunst Natur.

Die Skulptur Where the earth is the sky is the earth geht zurück, auf die Idee eines Theaters, das nie gebaut wurde, das Theatro del Mundo von Giulio Camillo. Es war das ultimative Modell für einen Garten als Erinnerungstheater. Dieses Theater war genau groß genug, für einen einzigen Zuschauer, der aber anders als im Theater mit klassischer Guckkastenbühne, im Zentrum des Theaters stand. Bühne und Zuschauerraum waren hier gespiegelt. Durch diese Verdrehung, das den Zuschauer in die Mitte der Bühne stellt, änderte sich die Perspektive des Betrachters und des Betrachtens. Welt wird hier zur Bühne.

In Where the earth is the sky is the earth schraubt sich eine Sitzreihe um einen ‘fliegenden’ Garten in Schleifen hinauf und hinab. In diesem verschränken sich zwei Ebenen miteinander, die Nützliche, mit einer Austenpilzzucht und die Schöne, mit einer Orchideen Anpflanzung. Die Skulptur ist so gebaut, dass
es nicht mehr als sechs Personen gleichzeitig möglich sein wird, sie zu begehen und damit eine Situation entstehen lässt, bei der sich der Zuschauer im Idealfall dem Zuschauer beim Zuschauen zuschauen kann. Sie untersucht Konstruktionen öffentlicher Räume, insbesondere den Transfer theatraler Räume in öffentliche Räume. Diese Art der Nutzung des Garten als Theater findet sich in ähnlicher Weise im damaligen Versailles, hier dienten alle Gärten/Parkanlagen temporär als Display für die Stücke von Moliere und Lully. Jedoch soll in Where the earth is the sky is the earth eine soziale Plastik entstehen, die sowohl diskursiv als auch performativ-praktisch nach der Verbindung von Architektur und Gemeinschaft fragt. Sie ist ein Pavillon, der eine klassische Gartenarchitektur ist, die einen Ort des Verweilens schafft und auch ein Ort des Schlenderns in Gedanken.

Die Arbeit wurde möglich gemacht durch die Unterstützung der BUGA 2009 Schwerin, BioPilzeBerlin, Iris Flügel, Mark + Erik Haugwitz, Gregor Siehms, Nicolas Russel

links: http://www.buga-2009.de/de/gartenschau/das-buga-gelaende/kunst-auf-der-buga/kai-schiemenz/

http://www.taz.de/1/leben/kuenste/artikel/1/kunst-im-gruenen/

http://balkon-garten.blogspot.com/2009/07/letzten-donnerstag.html

The DICTATORSHIP OF THE MAJORITY - SCULPTURE QUADRENNIAL RIGA 2008

2008-10-06T00:53:00.000-07:00

Total Theatre - Communual Theatre

pencil, 297 x 210

Total Theatre - Communual Theatre, Wood/ Plywood; 500 x 650 x 520

The Sculpture Quadrennial Riga 2008 is contemporary art event in urban public space of Riga City seeking experimental and innovative cooperation forms between different social groups to develop active civil society. The main objective of DICATORSHIP OF THE MAJORITY - SCULPTURE QUADRENNIAL RIGA 2008 is to encourage dialogue between art professionals and consumers of the public art. The event fosters understanding and links between the centre and periphery in contemporary art. THE SCULPTURE QUADRENNIAL RIGA 2008 aims at breaking down elitism in art and culture space through openness and culture accessibility, involving groups of the society whose environment rarely is a site for contemporary art practice. The main interests of the event are emotions and lifestyle of the residents of marginal and disadvantaged city areas instead of the identification of particular city space.

The DICTATORSHIP OF THE MAJORITY - SCULPTURE QUADRENNIAL RIGA 2008 is an open-air contemporary art exhibition that will take place in Riga, Latvia August 29 – October 10, 2008. The exhibition is a starting point for the dialogue between general public, society and art professionals on the issue of contemporary public art and its role in the urban culture of the city of Riga.

links:
www.mmic.lv
www.sculpturequadrennial.lv
www.pinkhouse.lv

'EINS ZU EINS' SKULPTURENAUSSTELLUNG IN DEN PARKANLAGEN KARTZITZ UND PANSEVITZ AUF RÜGEN, 2008

2008-10-05T08:53:00.000-07:00

The Colonist descending slowly - the lighthouse on the wrong place; Der erschreckte Gärtner - der Leuchtturm am falschen Platz; 2008

Bleistift; 29,7 x 21

Modell; 55 x 33 x 30

550 x 330 x 300; 2008, Dachlatten, Schrauben

Der Verein Parkkultur Rügen veranstaltete in diesem Jahr zum ersten Mal die Skulpturenausstellung "EINZUEINS Rügen". Dabei sollen in dem Zeitraum von Mitte Juni bis Mitte September die Werke von sechs bis acht ausgewählten Künstlern in den Parkanlagen Kartzitz und Pansevitz auf Rügen ausgestellt und für die Öffentlichkeit erlebbar gemacht werden. Im Vordergrund der Ausstellung "EINZUEINS Rügen" steht die Auseinandersetzung mit den Parkanlagen als künstlich und künstlerisch angelegte Naturräume. Alle eingeladenen Künstler sind aufgefordert, sich individuell mit den Parkanlagen auseinander zusetzen. Die in Kartzitz und Pansevitz präsentierten modernen Kunstobjekte sollen mit den "Wasserräumen" und der Parklandschaft in einen Dialog treten und sie neu beschreiben. Letzterer wird wiederum durch die "eins zu eins" Auseinandersetzung der Besucher mit den Kunstwerken fortgesetzt. Dem Besucher soll so eine neue Perspektive auf diese einmaligen historischen Anlagen ermöglicht werden.In den Parkanlagen sollen jeweils vier Kunstwerke an ausgewählten Orten positioniert werden. Maßgeblich für Auswahl des jeweiligen Standortes ist dabei die individuelle Korrelation zwischen Kunstwerk und Standort einerseits, sowie die Schaffung einer neuen Perspektive auf die Gesamtheit des jeweiligen Parkensembles als natürlichem Gestaltungsraum anderseits.

Die Ausstellung wird am 14. Juni mit einer Veranstaltung auf dem Gut Kartzitz eröffnet. Die Abschlussveranstaltung findet dann am 14. September im Schlosspark Pansevitz statt. Einen ersten Eindruck von den beiden Parks Pansevitz und Kartzitz können Sie sich auf den Websites www.gut-kartzitz.de und www.stiftung-schlossparkpansevitz.de verschaffen. Begleitend zur Ausstellung werden ein Katalog, ein Handout und eine Website erscheinen.

Villa Romana, Florence 2008

2008-06-24T08:45:00.000-07:00

RURAL DELIGHTS -
The garden as an unexpected proposition

An archisculpture - a project – a symposium
Opening: 21 June, 6pm – 12pm
The sculpture stnds in the Villa Romana garden until the onset of winter and can be viewed and used during office hours (Mon – Fri 9am – 7pm) and on appointment.

The project
A garden is a closed space, in which we realize our beliefs in and our visions of social and natural ideal(s). It is an island, not a fathomless place such as utopia. The garden is a showcase space, 1:1 implemented in the ground. It does not separate imagination from reality. A garden needs walls for its protection.
The Villa Romana garden has for the most part taken shape over the last 30 years. Different zones were created on the 15,000 meters square area of land, niches were created and personal dedications were installed in order to celebrate visions of a bohemian life. Although the Villa Romana building was extensively restored in 2006/2007, the structure and furniture of the garden has remained untouched until now.
With the RURAL DELIGHTS project, Villa Romana raises the question of how to use and design the garden of a contemporary artists’ residence. Inviting the Berlin sculptor, Kai Schiemenz, is a first initiative for adoption and public discussion.
RURAL DELIGHTS renegotiates the garden as an area of social and political actions. On the garden’s upper slope is a meadow, surrounded by neighbouring buildings. Here Kai Schiemenz has placed his plywood structure, which paraphrases a type of gazebo, such as can be found in parks and public sites and which is usually free standing and shade producing. Kai Schiemenz uses the ornamental qualities of this classical piece of garden architecture and its function as place of shelter for small and large groups. The structure of his sculpture, which is accessible from all sides, serves as a testing ground for discussions, performances and film showings… It is a matter of designing a public area and the dimensions of producing and relaying knowledge.
The first garden forum starts on 21 June. Architects, sociologists, dancers and film producers from Germany and Italy are invited to the evening to present their work (see below for programme). During the summer, other actors will use Kai Schiemenz’s ‘Archisculpture’. The Italian curator Lorenzo Bruni is preparing two project weekends, in co-operation with artists from the regional and international scene, with the title "Noi adesso siamo qua".

The sculpture
The sculptor Kai Schiemenz, who lives in Berlin (born 1966 in Erfurt), works with plastic space models. For some years, his research has been directed at areas of social organization and projection. A prototype of this is the stadium. Kai Schiemenz has collected an extensive atlas of pictures on the archaeology of the stadium from the ancient arena to the mass-medial container, excerpts of which are exhibited in Villa Romana.
"Since the beginning of that which in art is generally called the modern trend, the most important thing has almost exclusively been to clarify the complex problem in the conflicting areas of physiology, philosophy and history of art, which is how the view and the picture come together in the actual space. To put it bluntly, one could claim that the task of art in the age of mass media is the socialization of seeing and hearing. Galleries are usually the places where this is made possible these days, as well as in archives and museums. In the past on the other hand, it was in places of ritual such as churches, fairs or sports stadiums. Since that time (by means of installations and staged exhibition concepts), galleries and museums have confirmed their status as particularly entertaining places, which not only stand outside of everyday life, but also offer unusual experiences. Beat Wyss has described, somewhat polemically, the observer of these productions - one is inclined to call him a user - as a completely crazy peeping Tom. Kai Schiemenz operates on the ruins of this staginess as it were, by building architectures/sculptures, which create a view and a display in equal measure." (Susanne Prinz)

In the garden of Villa Romana, Kai Schiemenz has realised a work several meters high consisting of two formal levels: a layered and tilted ground architecture (which calls to mind stage elements as well as the ice floes in Caspar David Friedrich’s painting) and semi-circles rising upwards, whose fragmented technical construction takes up the idea of the Disegno as well as the dynamics of a rollercoaster. The sculpture signifies a virtual area and an actual place.

The symposium
RURAL DELIGHTS
The garden as an unexpected proposition
Saturday 21 June, 6pm – 12am in the garden of Villa Romana

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Events begin at 6pm
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Peter Pleyer
DANCING QUEEN MEETS WALKMANWORDS
MP3 Choreography
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Sandra Bartoli and Stefan Schreck
BORDERLINE ANIMALS
Radio Play
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Picnic
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Helmut Höge
KLEINE TYPOLOGIE DES GARTENS - LICHTBILDGESTÜTZT
(Small typology of garden – supported by photos)
Lecture
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Minze Tummenscheit, Arne Hector
IN ARBEIT / LAVORI IN CORSO / EN CONSTRUCTION / W TOKU
A series of interviews on film
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Film programme:
Rosa Barba, OUTWARDLY FROM EARTHS CENTER, 2007
and much more
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Participants:
Peter Pleyer, artistic director of the Berlin dance days since 2007. After some years as an actor in the German speech theatre, Peter Pleyer studied dance at the "European Dance Development Center" at the academy of art in Arnhem, the Netherlands. He worked as a dancer and choreographic assistant with Yoschiko Chuma in New York and Mark Tompkins in Paris and, since his period of study with the Hungarian dancer Eszter Gal. Joint choreographies and improvisations have been shown in Holland, Germany, France and Hungary as well as at the New York improvisation festival. He teaches at various dance festivals in Europe and has helped to create higher education courses for contemporary dance in Berlin.
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Sandra Bartoli, born 1967 in Cortina d’ Ampezzo, lives and works in Berlin. She studied architecture and landscape architecture and is the co-founder of Terraform with Andreas Ziegeler. Together with Silvan Linden, she created the Office for Constructivism in 2006. The office publishes the magazine Die Planung / A Terv (with Martin Conrads, Levente Polyák and Katarina Šević) as well as the publication Kristalle (published in the "disko" series of publications of the Nuremberg Academy of Fine Arts).
Stefan Schreck, born 1968 in Cologne, studied journalism and German studies in Cologne, Düsseldorf and Berlin. He is the co-founder of the (net) radio collective convex tv by mikro e.V. - an association to support media cultures and of the edit suisse group. Since 1995 he has worked as a freelance sound designer, author, data base developer, web designer and web programmer in Berlin.
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Helmut Höge, born 1947, worked first as an interpreter in the US Air Force and for an Indian animal dealer, then studied social sciences in Berlin, Bremen and Paris. He subsequently worked as a farmhand on various farms in West and East Germany as well as in Italy and in addition he began to work in journalism. Since 1986, he has earned his money through journalism. Finally, the following were released by him: "Neurosibirsk" (publishing house Peter Engstler, Ostheim/Rhön 2006) and "WPP - Wölfe Partisanen Prostituierte" (Wolves partisans prostitute) (cultural publishing house Kadmos, Berlin 2007). An essay collection is in preparation with the title "Anti- Darwin" (together with Peter Berz and Cord Riechelmann as editors) as well as a book about agriculture and farmers.
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Minze Tummescheit and Arne Hector work together as "cinéma copains" on the production of documentary films. The focus of their interest is humans in the context of their social and economic conditions. Between 2000 and 2004, the film "Jarmark Europa" was made, which premiered in the forum program of the Berlinale 2004 and was shown among other places at the exhibition "Steps for the Flight from Labor to Doing" in the Museum Ludwig. At present, the "cinéma copains" are working on the production of ‘in arbeit/lavori in corso/en construction/w toku’, a series of interviews on film, which explore the possibilities and conditions of working collaboratively and the adaptability of social actions.
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links: Sandra Bartoli part one www.featureladen.de/MOL.mp3
part two www.featureladen.de/bounce_florenz_17_juni_2008.mp3

Ministry for Foreign Affaires, Berlin 2008

2008-06-12T13:05:00.000-07:00

Tower To Nowhere

photos: Sven Hagolani

The sculpture was developed as two seven meter high wooden staircases loop round alongside each other, come together at a viewing platform and separate again. These curling twin stairways in the Atrium at Ministry for Foreign Affaires are accessible at any time for anyone to climb and descend. The idea for a seven meter high construction comes from a hollywoodlike Möbus-strip as a double loop. It is developed during a grant in Villa Aurora in Pacific Palisades (Los Angeles) and related with stage designs of musicals in the 1930th years. From the entrance you will walk upstairs on the outside and then descend from the inner staircase – or vice versa. Ideally the sculpture creates a situation, where the observer (spectator) observes the observer during observing (on the way up or down).

photos: Sven Hagolani

photos: Claudio Kocking

drawings and modells: Kai Schiemenz

links:

http://www.auswaertiges-amt.de/diplo/de/AAmt/Ausstellungen/Tower/080404-tower.html
http://www.villa-aurora.org/index.php?page=bildergalerie

Kappatos gallery, Athens 2008

2008-05-09T10:11:00.000-07:00

Dwellings of a suspended Empire

First soloshow of Kai Schhiemenz in Kappatos gallery (in Athens; 12 Athinas St, Monastiraki, tel 210-321-7931).
The centralpiece of the exhibition, goes back an idea developed for Skulpturenpark Berlin_Zentrum for the exhibition ‘Speculation’, as a walk-on sculpture. The sculpture was build as a model and painted in the way, like the US Navy painted there ships during the Second World War with a ‘dazzle camouflage’. Inside was projected a film about a Dance-piece a Solo choreography of Peter Player, projected as a dobble-side-projection. The solo is filmed with two fixed cameras. They are fixed in such way, that they don’t face each other and they can’t record the whole set-up at once. They work like engines without moving. Both cameras create a two lens corridor a and b. The choreography on the other hand takes up the whole space. For each camera it means that the dancer is sometimes seen in the corridor of camera a , sometimes in the corridor of the camera b and sometimes in both (a+b). The sculpture creates a situation between using and observation.

photos Kai Schiemenz, 'Dwellings of a suspended Empire'

filmstill with Peter Player

modells exhibited in the gallery

links: http://www.kaput.gr/01/page15EN.htm
http://www.mixtape.gr/t.asp?sec=4&sub=1&uid=81
http://www.cineek.gr/modules.php?name=News&file=article&sid=2285

Skulpturenpark Berlin_Zentrum, 2008

2008-05-06T01:08:00.000-07:00

The Empty Dwelling, the Vain Tower and the Mad Colonist, 2008

Skulpturenpark Berlin_Zentrum sits on 62 vacant lots of downtown real estate owned by various private companies and individuals. It is an urban void which was formerly part of the "Mauerstreifen," the militarized zone within the Berlin Wall, but is now overgrown with weeds. The land remains vacant to this day. With approximately 5 hectares of open lots, it offers a vast space and unique history to host various socio-cultural activities.
Kai Schiemenz's spiraling architectonic sculpture consists of 3-parts, a staircase, a smal enclosed platform and tower. The structure rises up from the park’s lone hill, a mound of building foundations from before the Wall. If the sculpture truly has historical foundations, it appears like a blown-up scale-model of a collision between Constructivist forms and more recent Post-Structuralist mega-buildings where “form follows function” does not always preside. Its plywood and lattice structure rises intuitively from the ground. Viewers can ascend its stairs and into the empty platform. Similar to the artist's past work, the tower operates as both a monument standing alone in the park’s vast field and as a pavilion from which to view. It provides the practical purpose of seeing and of being seen. However, its form also suggests a utopian architecture which placed on the historical site of the former Berlin Wall defiantly takes a last stand before its surrounding area is at last absolved and run over by urban renewal. http://www.skulpturenpark.org/

photo from http://www.skulpturenpark.org/

photo from http://www.skulpturenpark.org/

after winter storm Erika

picture from http://www.skulpturenpark.org/

movie under http://www.architekturclips.de/holzturmend/holzturm.html

http://www.tagesspiegel.de/zeitung/Ticket;art2811,2488453
February 2, 2008. TAZ, Berlin. "Aus der Spirale heraus mit Blick f¸r das Bereichernde," by MJ. p. 25