Dienstag, 12. Februar 2019

Reflection

2018.11.17 ~ 2018.12.30 

凱.許曼施(Kai Schiemenz) - 心中藏著一座結構嚴謹、精神純粹的巨大建物




我們可以把凱.許曼施的立體創作視為巨型建築的縮影,模糊了外觀與輪廓,以彩色玻璃的平滑表面製造礦物結晶的觸感,用人工的方式創造自然。純粹而嚴謹的幾何色塊,解構、拼接、堆疊,恰似鏡面,反映出現代都會的城市風貌。同時,雕塑作品也是接納光源的透明載體,觀者可以在光線穿透與折射之中,由各種視角,看見截然不同的面貌;橫看是二維平面,俯瞰又跨越三維空間。凱.許曼施相信,建築代表社會文化,藝術也並非單純實現理想烏托邦,而是以冷靜、合理、客觀的思考邏輯追求純粹的合理性,達到簡單、真實、而高雅的精神境界。 


2018.11.17-12.30,也趣藝廊歡迎您與我們一同進入魅力無邊的德國當代藝術世界,以藝術之名探索無限的可能。

TUE - SUN 12:00-18:30141, Min Tsu W. rd., Taipei 10369, TAIWANwww. galleryaki.com | info@galleryaki.com 



  
凱・徐曼茲(Kai Schiemenz以現代性為典範撰文/ Kito Nedo譯文/侯韶宜「他的作品總是讓人想起表現主義式的結構或者水晶,柏林藝術家徐曼茲透過他的創作梳理現代藝術中的形式語言。」聚苯乙烯是一個奇怪的材料,它基於原油,發泡後為薄荷綠般的硬質體,屬於人們所稱的大料塑料的一種。從多年前開始聚苯乙烯在德國被大量制作為住屋用保溫板,許多建築師使用聚苯乙烯製作建築模板,從製作草圖、計畫到建造這段複雜過程中,聚苯乙烯從無形到有形,像是一種鬼魅般的存在。基於方便性和實用性,使聚苯乙烯隨處可見,但也給人一種不健康和無特色之感。那麼當 一位藝術家如徐曼茲,談他的大型雕之形成絕不可忘記聚苯乙烯所擔任的要角,他和此材質間的關係又表示著什麼?我們或許能如此觀察,徐曼茲透過這種方式,拒絕在當代藝術發展中逐漸擴大的拜物思想,並企圖回到一種較傳統的、精心製作的,或甚至至較「高貴」 的材料裡?然而,用如此單一的思考邏輯卻又不完全正確,這位1966年出生 於德國艾爾福特(Erfurt), 目前定居和工作於柏林的藝術家,並不將自己限制於製作大型或小 型的聚苯乙烯物件,他的創作包括從經典的玻璃與陶瓷雕塑,素描到電腦製圖。顯而 易見地,徐曼茲並不是單純地透過另一種材質來取代某種物質性審美觀,而是有意識地選擇他的材料,像是因為演奏的樂曲不同,因而選擇多種合適的樂器,達到樂曲裡的豐富、多元和和諧。徐曼茲的材料選擇和現代性的形式語彙具有強烈的關係,他也以此著名。例如在他於柏林的建築機構密斯凡德爾之家Mies-Va n-Der-Rohe-Haus)展出時,藝術家帶給觀眾一種與現代建築典範、表現主義的電影背景或巨大水晶1的強烈聯想。徐曼茲表示,在他的作品中的確具有那一絲絲脆弱的、易碎的,對以往烏托邦生生活的追求。對於經典的現代藝術,徐曼茲認為「就如同大體而言的建築一樣,是令人矛盾的。」另外,在他的藝術裡總是和抽象表現的問題相關,造型如何介入人們日常 生活中?「建築是那麼令人著迷的,因為它造出了一個社會環境,這是和權力有關的時刻,在此之中建築吸引著人們,卻又同時擊退人們。」1水晶在德國現代藝術發展時擔任重要的角色,它成為文學、視覺藝術和建築中不可缺少的母題。在 建築中常與烏托邦式的理想生活形式相連,因為能反映光線,因此同時帶有”希望“的暗喻。






TUE - SUN 12:00-18:30141, Min Tsu W. rd., Taipei 10369, TAIWANwww. galleryaki.com | info@galleryaki.com | Tel 886 2 2599 1171這類和建築相關的複雜問題,台座肯定屬於其一一個,這也是許多雕塑藝術家遲早會碰到的課題。徐曼茲在一場於EIGEN + ART柏林畫廊名為《石頭》 的展覽裡,他的幽默感成為成功的策略,他將美麗的玻璃雕塑和雕塑用一種誇飾的超維度方式呈現,作品彷彿坐在寶座上。在徐曼茲的作品裡,我們能看到他對於在土耳其藍、蜂蜜黃和草綠色所富有的「迷人美貌」的不信任,他在雕塑作品上留下的痕跡,使藝術裡常見的偶像崇拜被有效的抵消,而不與玻璃所具的美學吸引力相衝突。和建築之間的遊戲是徐曼茲作品的特色,從九零年代開始,他用獨特的角度觀察著城市建築,切入建築和社會間的連結,這不僅在理論上影響徐曼茲,在實際創作上更是。2003年的作品Ohne Titel (Arena)是一件由被半橢圓形所包圍的三層樓式作品,由藍、紅、黃和綠所組成,作品的造型來自自紐約洋基球場,「它是一個烏托邦樣子的碗」,徐曼茲說。他觀察建築功能,以及使用建築的人們兩者間的關係,徐曼茲在他使用建築範本作為創作基礎的成功,將他帶往不同城市旅行,2011年在日 本擔任美術學院教授並參參加一場雕塑雙年展。徐曼茲似乎總是能將大約三種不同的視角,或是多種不同的材質如玻璃、陶瓷和聚苯乙烯,成功和諧地呈現於他的作品中,藝術家談到:「一方面我非常鍾愛形式的形式作為動機,雕塑的原意某種程度上來來說也是如此;另一方面我也非常珍惜參與其中的時刻。」這聽起來來似乎有點生硬或學院派,但徐曼茲的反骨和灑脫,卻讓他的作品以一種細緻的形式與幽默的語調訴說著徐曼茲和雕塑的關係,或者說雕塑與建築的關係,他們是相互矛盾,卻又如此和諧。

Freitag, 24. August 2018

Entwurf für ein Hochhaus an der Frohnhauser Strasse in Essen




Architectures aren’t containers for human needs – but needs and humanities are being generated by architecture. Buildings aren’t neutral boxes for communities, but communities are being formed and governed by them.” – Kai Schiemenz

„Architekturen sind keine Container für menschliche Bedürfnisse – sondern menschliche isse werden durch Architekturen generiert. Gebäude sind keine neutralen Boxen für Menschen und Gemeinschaften, sondern Menschen und Gemeinschaften, werden von Ihnen geformt und bestimmt.“ – Kai Schiemenz


Die Kraft der Architektur menschliche Beziehungen und soziale Prozesse zu beeinflussen und einen neuartigen, Ort des Austauschs und der Kommunikation, für Essen, zu schaffen, bildet Kern des Idee.














Hierzu verlassen wir die klassische Methode des „Kunst am Bau“, um Kunst in die Architektur zu integrieren und bauen das geplante Hochhaus nach den architektonischen sowie künstlerischen Entwürfen des Künstlers Kai Schiemenz, als Skulptur. Dabei verschwinden die Grenzen zwischen Bildhauerei und Architektur. Das Ergebnis ist “Kunst als Bau“, eine Skulptur mit 20 Stockwerken, die von Menschen genutzt und bewohnt wird und gleichzeitig städtebaulich und sozial ein neues Wahrzeichen Essen‘s bilden wird.


Die Integration von Kunst in Architekturen kann entscheidend zu der Aussage von Bauwerken beitragen. Die Verbindung von Kunst und Architektur in den “Schiemenz Türmen“ ist öffentliche Kunst; allgemein zugänglich und dauerhaft präsent. Sie sind Ausdruck des kulturellen und anspruchsvollen Selbstverständnisses der Stadt Essen.



 Kunst und Architektur in Symbiose setzt sich mit Orten, Räumen und der Funktion der Bauaufgabe auseinander. Die Akzeptanz und die Identifikation mit dem Gebäude wird aufgrund der Einzigartigkeit und dem Kunst-kulturellen Bezug verstärkt. Das angestrebte Kunstkonzept verschafft dem Objekt und dem Standort Öffentlichkeit und ein zusätzliches Profil.






Verschieden Ansichten

Cantre'r Gwaelod

Some new Cube works. 
     

Kai Schiemenz, Cantre'r Gwaelod, 2017, Glas



Kai Schiemenz, Bermeja, 2018, Glas

Kai Schiemenz, Blocks XIII, 2018

Kai Schiemenz, Blocks XIV, 2018, Glas








Dienstag, 24. April 2018

Kai Schiemenz, "Once Over Easy"


Once Over EasyGalerie EIGEN + ART LeipzigExhibition: April 14 – June 16, 2018







exhibition view, photo: Otto Felber




Truly, Kai Schiemenz cannot be accused of indissoluble loyalty to genre and material. With him, everything is subject to a free volatility, from wood through steel to mixed materials,  implemented and realized in installations, large constructions, and objects. Whereas he built whole stage sets, theaters, and arenas out of wood or tossed out steel beams as pick-up sticks of light, most recently he has been busy with glass, this undercooled glossiness and its magical ability not only to let brightness and light through, but also to store light auratically: volumetric compositions, exposed to the alchemical play of a hardly calculable coloration of this archaic material. This testified to a beauty of objects, which was long scorned as a concept and goal.





left: Ane Titec (Kaktus), 141 x 95 x 39 cm
right: o.T. (Große Moderne), 2018
132 x 33 x 33 cm




 


 
exhibition view, photo: Otto Felber
In Leipzig, Schiemenz shifts to yet other materials and other forms of presentation, to artificial marble bound in Acrystal resin and poured into cardboard; remnants remain attached, torpedoing the smooth wholeness. These compositions are not strictly geometrical, but free abstractions of the volumes. But added to this is a series – no, a whole collection – of more sculptures that pose riddles. Here a hand, there a head, in the back an arm fragment. What is this, what drives these searching movements in material and arrangement? Astonishingly enough, the Leipzig assembly displays a turn toward representational, figurative depiction. Suddenly arms grow on a constructivist sculpture. The logical construction of the directions and forces is reformulated into a sensual body. Here, a narrative aspect enters the design that, from a distance and approximately, says: Thou shalt make unto you an image again, return from the emptiness of abstraction to fleshly-pictorial fullness. Is this the case?











In a conversation, Schiemenz and I found ourselves in a dispute over two German terms – and at our limits. I asked him what he calls his objects, Skulptur or Plastik. Skulpturwas his prompt answer, before a quiet hesitation began; Plastikwas too Western, in his view. All of a sudden, Germany's division echoed and fulminated through the art space, the bad sign of 20th-century German history, because my feeling for language, too, wanted to place Skulpturand Plastikto the east and west of the Wall, respectively. Neither of us found the precise thought. Because already around 1900 – that is, long before the later political confusion – the encyclopedias wrote that "the terms Plastik, Skulptur, and Bildhauereiare usually used synonymously". Hardly any specialists still adhere to the distinction that a Plastikinvolves adding material (for example, clay), while a Skulpturarises through the elimination of material (chiseling, blows, hollowing). Decisive is that both are forms of Bildhauerei– and this term should be carefully considered, as well, because it is seldom used anymore. Hauen– to hit or hammer; Bild – a picture. Physically active chiseling, thinning, squeezing, hitting, always to bring a picture into the world. Apparently, Kai Schiemenz is on his way to this, on the threshold from abstraction to concretion, from the informal to the corporeal.


Ineinander, Kreuzbein, 2018
Terrazzo, Pigment, Keramik
48 x 30 x 12,5 cm
WV Nr.:KS/18/004

Ineinander, Brustbein, 2018
Terrazzo, Pigment
37 x 35 x 12 cm

Ineinander, Rücken, 2018
Terrazzo, Pigment, Keramik
54 x 26 x 18 cm

 
Ineinander, Kreuzbein, 2018
Terrazzo, Pigment, Keramik
48 x 30 x 12,5 cm








But after the century of abstraction, this doesn't seem to develop without fright and violence. In the room stands a small sculpture titled "Rumpelstiltskin". It is a harmonious, dancer-like figure with beautiful proportions. The overlong arms rise from short, stamping legs, in order to – well, what? To tear in two the head, which has already cloven appallingly. Rumpelstiltskin is a Lar, one of the unobtrusive gods whose task is to protect the threshold and who is to be respected, tended, and listened to. He is the magician of transitions, until he himself is unmasked, exposed, and cleared up by name in the literal sense.








But precisely this sculpture is made of plasticine, an impermanent material; Kai Schiemenz takes his threshold lore to the point that he lets its gods disappear again immediately. Is this the enigma of the exhibition's mysterious title, which, obstreperous and banal at the same time, refers to flipping a fried egg and letting it turn and twist? Picture and representationalism – turned once more and fried again from the other, the abstract side? Who can know?

Text by Gerwin Zohlen

Translated by Mitch Cohen
 

Der pathetische Körper, 2018
Plastilin, Gipsbinden
86,5 x 80 x 20,5 cm

 
Erste Rückbesinnung, 2018
Plastilin, Styropor, Gipsbinden
17 x 16 x 14 cm

Schwellenkunde.




Unverbrüchliche Gattungs- und Materialtreue wird man Kai Schiemenz wahrlich nicht vorhalten können. Alles unterliegt bei ihm einer freien Volatilität, von Holz über Stahl zu Mischmaterialien, umgesetzt und verwirklicht in Installationen, großen Konstruktionen und Objekten. Baute er aus Holz ganze Stage-Designs und Theater und Arenen oder warf Stahlträger als Lichtmikado aus, so war er gerade eben noch mit Glas, dieser unterkühlten Schmelze und ihrer magischen Fähigkeit befasst, Helligkeit und Licht nicht nur durchscheinen zu lassen, sondern sie vielmehr auch auratisch speichern zu können; volumetrische Kompositionen, ausgesetzt dem alchemistischen Spiel einer kaum berechenbaren Färbung des archaischen Materials. Das zeugte, was als Begriff und Ziel lange verpönt war, eine Schönheit der Objekte.





Ane Titec (Kaktus), 2018
Acrystal, Pigment
141 x 95 x 39 cm

 
 
 


In Leipzig wandert Schiemenz wiederum zu anderen Materialien und anderen Darbietungsformen weiter, zu Marmorit, gebunden in Acrystal und in Pappe gegossen; Reste bleiben hängen und torpedieren die glatte Ganzheit. Es sind wiederum Kompositionen, nicht in strenger Geometrie, sondern in freier Abstraktion der Volumina. Dazu aber tritt eine Reihe – nein, eine ganze Ansammlung weiterer Skulpturen und Plastiken, die Rätsel aufwerfen. Hier eine Hand, dort ein Kopf, dahinten ein Armfragment. Was ist das, was treibt diese Suchbewegungen in Material und Arrangement? Erstaunlich genug zeigt sich in der Leipziger Zusammenstellung eine Hinwendung zur gegenständlichen, figürlichen Darstellung. Einer konstruktivistischen Skulptur wachsen auf einmal wieder Arme an. Die logische Konstruktion der Richtungen und Kräfte wird reformuliert zum sinnlichen Körper. Hier tritt ein narratives Element in die Gestaltung ein, das von Ferne und in Etwa besagt, du sollst dir wieder ein Bildnis machen, kehre aus der Leere der Abstraktion zurück in die fleischlich-bildhafte Fülle. Ist dem so? 
 
30. September, Großer Sieg, 2018
Plastilin, Styropor, Gipsbinden
24,5 x 14,5 x 15 cm


Ineinander, Großer Rücken, 2018
Biskuitkeramik, Styropor, Gips
92,5 x 32 x 29,5 cm

 
 
Erneute Rückbesinnung, 2018
Plastilin, Styropor, Gipsbinden
30,5 x 17 x 17 cm


Bei einem Gespräch gerieten Schiemenz und ich über zwei Begriffe in einen Disput – und an unser beider Grenze. Wie er selbst seine Objekte bezeichne, als Skulptur oder Plastik fragte ich ihn. Skulptur war seine prompte Antwort, bevor ein leises Zögern einsetzte; Plastik sei ihm zu westlich. Auf einmal echote und wetterte die deutsche Spaltung durch den Kunstraum, das Malus der deutschen Geschichte im 20. Jahrhundert, denn auch mein Sprachgefühl wollte Skulptur und Plastik gern östlich und westlich der Mauer verorten. Beide verfehlten wir den genauen Gedanken. Denn bereits um 1900, also lange vor den nachfolgenden politischen Wirren definierten die Enzyklopädien, dass „die Begriffe Plastik, Skulptur und Bildhauerei meist gleichbedeutend gebraucht werden." Kaum noch Spezialisten, die der Unterscheidung frönen, dass die Plastik im engeren ein An-Schaffen des Materials (Bsp. Ton) bezeichnet, während die Skulptur durch ein Weg-Schaffen (Meißeln, Hauen, Höhlen) entsteht. Entscheidend ist, dass es beides Formen der Bildhauerei sind – und diesen Begriff sollte man sich auf der Zunge zergehen lassen, da er selten noch gebraucht wird. Ein Bild hauen. Das physisch-tätige Meißeln, Dengeln, Quetschen, Schlagen stets, um ein Bild in die Welt zu setzen. Auf dem Weg dorthin befindet sich Kai Schiemenz offenbar, auf der Schwelle von der Abstraktion zur Konkretion, vom Informellen zum Körperlichen.
 
 
Höchste Bejahung, 2018
Plastilin, Styropor, Gipsbinden
50 x 24 x 16 cm



 



Doch scheint das nach dem Jahrhundert der Abstraktion nicht ohne Schrecken und Gewalt zu gehen. Im Raum steht eine kleine Plastik mit dem Titel Rumpelstilzchen. Es ist eine harmonische, tänzerische Figur schöner Proportionen. Die überlangen Arme erheben sich auf kurzen stampfenden Beinchen, um – ja, was? Um sich den Kopf entzweizureißen, der sich bereits auf entsetzliche Art gekluftet und gespalten hat. Rumpelstilzchen ist ein Lar, eine der unscheinbaren Gottheiten, die zum Schutz der Schwelle bestimmt sind und beachtet, gepflegt, gehört werden wollen. Er ist der Magier der Übergänge, bis er selbst enthüllt, entlarvt und namentlich im buchstäblichen Sinn aufgeklärt wird.


Ausgerechnet diese Plastik aber ist aus Plastilin, einem vergänglichen Material – soweit treibt Kai Schiemenz seine Schwellenkunde, dass er ihre Gottheiten gleich wieder verschwinden lässt. Liegt hierin auch das Geheimnis des rätselhaften Titels der Ausstellung, der aufmüpfig und banal zugleich besagt, das Spiegelei flippen, springen, sich drehen und wenden zu lassen? Bild und Gegenständlichkeit – noch einmal gewendet und von der anderen Seite, der abstrakten gebacken? Wer weiß das schon.
Text: Gerwin Zohlen