Exhibition in Georg Kolbe Museum
with William Tucker, Kai Schiemenz, Stefan Guggisberg
from 23. Februar — 01. Mai 2019
The exhibition is curated by
Katherina Perlongo and Dr. Elisa Tamaschke
In the “Bunte Steine” [Colored Stones] exhibition, the Georg Kolbe Museum presents works by the sculptors William Tucker and Kai Schiemenz as well as the painter Stefan Guggisberg.
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| Foto: Enric Duch |
The British-born artist William Tucker (born 1935) is one of the leading international sculptors of his generation. His bronze figures containing motifs deriving from human body forms and rock formations veering between figuration and abstraction speak a powerful artistic language. They have an emotional effect on their counterpart and provoke existential questions. The Berlin artist Kai Schiemenz (born 1966) has worked with glass for many years, transferring natural rubble formations into this special material. The translucent quality inherent to colored glass lends it a gem-like character, drawing the viewer’s gaze into depths that have been infused with life. Schiemenz belongs to a younger generation of artists that has conceptually developed the classic medium of sculpture with its multifaceted dimension into a twenty-first century resonance chamber. Swiss-born and now Leipzig-based, the painter Stefan Guggisberg (born 1980) creates intoxicating color spaces in his oil pictures on paper. Like Tucker and Schiemenz, he has repeatedly explored the motif and materiality of rocks.
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| Foto: Enric Duch |
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| Foto: Enric Duch |
In his brilliant paintings, the concrete object oscillating between the distinct and the indistinct expands into atmospheric sensory impressions. Whether as a cast bronze colossus (Tucker), as a fragile glass object (Schiemenz) or as an entity assembled from particles of color (Guggisberg),
the exhibition of these works becomes the venue for the encounter between such elementary opposites as simplicity and grandeur, massiveness and fragility. The strong presence of these powerful and yet simultaneously quiet works in the exhibition space confront their human counterpart with his being-in-the-world. This perpetually topical and universal existential occupation is additionally of social relevance in times of ever more fleeting values.
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| Foto: Enric Duch |
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| Foto: Enric Duch |
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| Foto: Enric Duch |
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| Foto: Enric Duch |
Wanderungen zu bunten Steinen
Der
österreichische Schriftsteller Adalbert Stifter (1805–1868) publizierte 1853
zwei Bände mit insgesamt sechs Erzählungen, denen er die Titel „Granit“,
„Kalkstein“, „Turmalin“, „Bergkristall“, „Katzensilber“ und „Bergmilch“ gab und
fügte sie unter dem Titel „Bunte Steine“ zusammen. In den Geschichten schildert
Stifter die Schicksale einzelner Menschenleben auf dem Land. Seine
Protagonisten, Kinder und Alte, bewegen sich in archaischen Berglandschaften,
die zeitgenössische Kritiker wiederholt als allzu detailverliebte Schilderungen
der Natur empfanden. So hatte schon 1849 Friedrich Hebbel in der Zeitschrift
„Europa“ gegen die „alten und neuen Naturdichter“ polemisiert: „Wißt ihr, warum
euch die Käfer, die Butterblumen so glücken? Weil ihr die Menschen nicht kennt,
weil ihr die Sterne nicht seht! [...] Aber das musste so sein; damit ihr das
Kleine vortrefflich liefertet, hat die Natur klug euch das Große entrückt.“[1]
Allerdings
sind die von Stifter beschriebenen Landschaften wesentlicher Teil der
menschlichen Schicksale darin, sie fordern heraus und sie retten auch. In der
wohl berühmtesten Erzählung aus den „Bunten Steinen“, „Bergkristall“, gehen
Bruder und Schwester in der Weihnachtsnacht nach dem Besuch bei ihren
Großeltern über einen Gebirgspass zurück zu den Eltern nach Hause. Ein
Schneetreiben – das eine beängstigende Stille mit sich bringt – zieht auf und
sie verlieren den Weg. Ihre Lage wird verzweifelt. Der ältere Bruder macht der
Schwester Mut, erklärt ihr seine Pläne, weiß doch aber zunehmend selbst nicht,
wie weiter, und sie, Sanna, sagt immer wieder vertrauensvoll, mantraartig „Ja,
Konrad.“ Der Leser gibt die Hoffnung auf, nicht allein deshalb, weil hier zwei
dürftig bekleidete Kinder in den Schnee und in die Nacht geraten, sondern auch,
weil die Schilderungen der Landschaft die Möglichkeit eines Überlebens nicht
erlauben. Immer wieder stoßen die zwei an Felswände, wo sie die Zuversicht auf
einen Abstieg hatten. Da heißt es dann grauenvoll mehrdeutig: „Jenseits wollten
sie wieder hinabklettern. Aber es gab kein Jenseits.“[2] Der Schnee schmerzt ihren
Augen: „Es schien eine große Lichtfülle zu sein, und doch konnte man nicht drei
Schritte vor sich sehen; alles war [...] in eine einzige weiße Finsternis
gehüllt.“ Auf der Suche nach Schutz gehen sie immer tiefer in das Gewölbe eines
Grabens: „In der ganzen Höhlung aber war es blau, so blau, wie gar nichts in
der Welt ist, viel tiefer und viel schöner blau, als das Firmament, gleichsam
wie himmelblau gefärbtes Glas, durch welches lichter Schein hineinsinkt.“[3]
Die Kinder fürchten sich in der Höhle, weil sie „so schreckhaft blau“ ist und
gehen wieder hinaus in eine Landschaft, die doch auch nur noch aus Eis zu
bestehen scheint. Letztlich werden Sanna und Konrad am folgenden Tag gerettet
und diese Rettung erscheint dem Leser, der sich der grausamen Romantik des
Autors anvertraut hat, wie ein urzeitliches Wunder.[4]
Adalbert
Stifter hat die „Bunten Steine“ lapidar „allerlei Spielereien für junge Herzen“[5]
genannt und manches Mal möchte man hinzufügen: für junge, aber kräftige Herzen.
In der Einleitung berichtet Stifter von seiner eigenen jungendlichen
Faszination für bunte Steine, die durchaus als Ausdruck eines damals aktuellen
Interesses an der relativ neuen Wissenschaft der Geologie gewertet werden
können[6]:
„Als Knabe trug ich außer Ruten, Gesträuchen und Blüten, die mich ergötzten,
auch noch andere Dinge nach Hause, die mich fast noch mehr freuten, weil sie
nicht so schnell Farbe und Bestand verloren wie die Pflanzen, nämlich allerlei
Steine und Erddinge. Auf Feldern, an Rainen, auf Heiden und Hutweiden, ja sogar
auf Wiesen, auf denen doch nur das hohe Gras steht, liegen die mannigfaltigsten
dieser Dinge herum. Da ich nun viel im Freien herumschweifen durfte, konnte es
nicht fehlen, daß ich bald die Plätze entdeckte, auf denen die Dinge zu treffen
waren, und daß ich die, welche ich fand, mit nach Hause nahm. [...] Wenn ich
Zeit hatte, legte ich meine Schätze in eine Reihe, betrachtete sie und hatte
mein Vergnügen an ihnen. Besonders hatte die Verwunderung kein Ende, wenn es
auf einem Steine so geheimnisvoll glänzte und leuchtete und äugelte, daß man es
gar nicht ergründen konnte, woher denn das wohl käme. Freilich war manchmal
auch ein Stück Glas darunter, das ich auf den Feldern gefunden hatte, und das
in allerlei Regenbogenfarben schimmerte. Wenn sie dann sagten, das sei ja nur
ein Glas, und noch dazu ein verwitterndes, wodurch es eben diese schimmernden
Farben erhalten habe, so dachte ich: Ei, wenn es auch nur ein Glas ist, so hat
es doch die schönen Farben, und es ist zum Staunen, wie es in der kühlen
feuchten Erde diese Farben empfangen konnte, und ich ließ es unter den Steinen
liegen.“[7]
Wie
eine Sammlung von Steinen erscheinen uns die für die Ausstellung ausgewählten
Werke von William Tucker, Kai Schiemenz und Stefan Guggisberg, nehmen sie das
Motiv von Gestein doch vielfältig auf, tangieren dabei auf verschiedene Weise
Sujets, die auch bei Stifter anklingen und stehen doch ganz für sich selbst.
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Kai Schiemenz, Steine III
2016, Glas, 66.5 x 29 x 19 cm
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Kai Schiemenz,Steine I,
2016, Glas, 69 x 36 x 24 cm
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Kai Schiemenz
Stifters
Verzauberung angesichts schimmernder Farben der von ihm gehüteten Glasstücke
lässt sich auf die Begegnung eines heutigen Betrachters mit den Skulpturen aus
Glas von Kai Schiemenz übertragen, die er „Steine I–IV“ betitelt. Kostbaren
Edelsteinen gleich reichen deren monochrome Farbkörper von einem warmen
Bernsteinton, über ein grelles Grün und tiefes Grünschwarz bis zu einem
leuchtenden Himmelblau. Als manifeste, zugleich aufregend ambivalente
Gesteinstrukturen im Raum werden sie von schlichten, schweren Betonsockeln
getragen und auf einer für die Ausstellung gefertigten Tischkonstruktion aus
hellem Holz nebeneinander gezeigt. Ihre Präsenz im Raum geht mit dem Eindruck
von Unwirklichkeit einher. Die Farbigkeit verhindert, dass der Betrachter die
Steine unmittelbar mit etwas ihm Vertrauten in Einklang bringen kann, doch ihre
Körper führen ihn. Der Ursprung dieser vier Glasskulpturen ist ein Steinbruch.
Aus ihm hat Schiemenz Bruchstücke gehauen und hat, anstatt die einzelnen Steine
in den Ausstellungsraum zu holen, sie auf Sockel zu stellen und zur Kunst zu
erheben, die Gesteinsfragmente in farbiges Glas übertragen. Dieser Werkprozess
des In-Glas-Gießens ist durch eine jahrhundertealte Handwerkstradition möglich,
die in Böhmen zuhause ist. Zwischen der Abformung der vom Künstler ausgewählten
Steine und dem Guss und schließlich dem finalen Kunstwerk liegen zahlreiche
komplexe und langwierige Arbeitsschritte.Im Einzelnen sind diese schwer
steuerbar und verändern damit die Erwartung an das entstehende Werk immer
wieder: Eine mit Glasstücken gefüllte Silikonform bleibt über mehrere Wochen
lang im Ofen, wird bis zu 1.000 Grad Celsius erhitzt, um dann langsam und
kontrolliert abzukühlen. Die erkaltete Form wird schließlich aus dem Ofen
genommen, das entstandene Objekt erscheint wie „ein roher Diamant“[8].
Das Besondere am gegossenen Glas sind die kleinen Einschlüsse und Abdrücke, die
die Oberfläche des Materials bestimmen.[9] In Form
von Kratzern, Scharten und weiteren kleineren Fehlern bleibt jede einzelne
Arbeitsphase auf der Glasoberfläche sichtbar. Der Ursprung der Skulpturen,
Stein gewesen zu sein, bleibt durch die nur partiell veränderte Form darüber
hinaus unverkennbar evident. Ähnlich einem Sedimentgestein, welches das
Ergebnis einer langen Entstehungszeit ist und in dem „tausendjährige […]
geheimnisvolle Ablagerungen“[10]
gespeichert sind und die es vermögen, uns über die Entstehung und Entwicklung
der Erde Auskunft zu geben, sind auch Kai Schiemenz‘ Glassteine Ergebnisse
eines langen Prozesses, in denen die für ihre Entstehung aufgewendete Zeit
verewigt bleibt. Damit sieht sich der Betrachter im Moment des Anschauens mit
einer Zeitlichkeit konfrontiert, die über das fertige Werk hinausgeht und auf
sie zurückverweist. Die geologisch-prozessuale Parallele lässt sich noch einmal
weiterführen: Die Verwandlung von flüssigem in gehärtetes Glas ist mit der
Entstehung von magmatischem Gestein vergleichbar, das als Magma an die
Erdoberfläche drang und dort zu einer festen Gesteinsform erstarrte.
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Kai Schiemenz, Steine II
2016, Glas, 15.5 x 17.5 x 72 cm
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Kai Schiemenz, Steine IV
2016, Glas, 18,5 x 21 x 39 cm
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Die
visualisierte, also in Form gebrachte Zeitlichkeit ist dem Material Glas eigen.
Der Aspekt des Lichts kommt, abhängig vom Aufstellungsort, als weitere Qualität
hinzu. So verändert sich die Farbtransparenz der Steine durch die Intensität
des Lichteinfalls. Bei geringerem Lichteinfall reicht der Blick in die dumpfe
Tiefe des Skulpturenkörpers nicht weit, während stärkerer Lichteinfall größere
Luzidität ermöglicht. Das an Gletscher erinnernde Blau der Skulptur „Steine II“
sei hier mit Stifters Konrad und Sanna in Verbindung gebracht: Die Kinder
erschaudern beim Betreten der tief blau leuchtenden Eishöhle („gleichsam wie
himmelblau gefärbtes Glas“), weil die Natur ihnen hier unwirklich erscheint.
Dabei ist es allein das Licht, das in diese Höhlung fällt und sie phantastisch
blau werden lässt. Die ebenfalls unwirklich blaue Skulptur von Schiemenz wird
in diesem Assoziationskontext mit einem Mal Möglichkeit eines Naturereignisses.
Farbigkeit
und Materialität verleihen den Skulpturen eine erzählerische Komponente. Diese
Erzählung entwickelt sich paradoxerweise infolge eines Entzugs: Indem der
Künstler die Bruchsteine in ein anderes Material überführt, nimmt er ihnen die
Bindung an ihren Fundort und entzieht ihnen so ihre konkrete Geschichtlichkeit.
Der Künstler erreicht mit der Übersetzung in Glas eine neue Erzählung: „Bei
Glas, wie auch bei Wasser, kannst du durch die Oberfläche hindurchschauen. Glas
ist dem Abwesenden verwandt. Normalerweise endet die Sichtbarkeit direkt an der
Oberfläche von allem. Dahinter fangen die Vorstellungen und Mythen an und beim
Glas gibt es plötzlich dieses Darinnen, dieses Dahinter. […] Wo das Unsichtbare
und die Vorstellungen anfangen, beginnt dieses verführerische Schimmern.“[11]
Schiemenz
bezog in Interviews das Unsichtbare, die Mythen und Vorstellungen auf die
Geschichten von versunkenen Städten, mit denen er sich in zurückliegenden
Arbeiten beschäftigt hat. Doch tatsächlich lässt sich die Idee eines
Nicht-ganz-Greifbaren auch individueller fassen: Der Blick in das farbige Glas
führt in einen mikrokosmischen Raum, in dem die Betrachter keine Referenz zum
alltäglichen Leben, durchaus aber zu ihrem In-der-Welt-Sein finden. Letzteres
bedeutet immer wieder nicht zu wissen, stattdessen mit Ungewissheit, mit
Ahnungen konfrontiert zu sein.
In
den „Säulen“ von Schiemenz erscheint der Mensch als Bezugsgröße noch klarer.
Auf dessen aufrechte Haltung hat Susanne Altmann formal vergleichend
hingewiesen und auch auf das kulturelle Abhängigkeitsverhältnis von Architektur
und Mensch, das sich darin ausdrückt.[12]
Anders als die „Steine“ setzt der Künstler die Säulen aus einzelnen Versatzstücken zusammen. Es sind gebaute Objekte, die anschließend in Glas übertragen werden. Architekturmodelle, die, weil begehbar, den Betrachter zur Partizipation auffordern, sowieutopistische Ideen der Moderne, damit verbunden auch das Bauhaus, sind wiederkehrende Themen im Werk des Künstlers. Zuletzt und wohl folgerichtig hat er die menschliche Figur als Ideenbild konkret in sein Schaffen integriert. Im Georg Kolbe Museum stellt er sie den aufrechten Glasarbeiten „Coloured Cut-In“ zur Seite. Teil der Serie ist ein Kopf aus grün-gelblichem Kunststoff, aus dessen Schädeldecke ein Viertel entfernt wurde, präzise Schnitte formen die Leerstelle treppenartig. Auf dieser Stufenkonstruktion kreuzen sich eine eingekerbte senkrechte und eine waagerechte Linie. Die Manipulation des wenig menschlich aussehenden Kopfes – statt Augen hat er kreisrunde Vertiefungen – erinnert an die Arbeit „Der mechanische Kopf (Der Geist unserer Zeit)“ von Raoul Hausmann aus dem Jahr 1920. So verschieden die zwei Köpfe formal selbstverständlich sind, spielen doch beide mit dem Motiv des Vermessens und der Veränderung. Hausmann thematisiert die neuen technischen Herausforderungen der Moderne. Schiemenz, der auf diese immer wieder Bezug nimmt, schafft einen zur Konstruktion mutierten Architekturkopf, der als Zeichen für „Idee“ schlechterdings verstanden werden kann.
Anders als die „Steine“ setzt der Künstler die Säulen aus einzelnen Versatzstücken zusammen. Es sind gebaute Objekte, die anschließend in Glas übertragen werden. Architekturmodelle, die, weil begehbar, den Betrachter zur Partizipation auffordern, sowieutopistische Ideen der Moderne, damit verbunden auch das Bauhaus, sind wiederkehrende Themen im Werk des Künstlers. Zuletzt und wohl folgerichtig hat er die menschliche Figur als Ideenbild konkret in sein Schaffen integriert. Im Georg Kolbe Museum stellt er sie den aufrechten Glasarbeiten „Coloured Cut-In“ zur Seite. Teil der Serie ist ein Kopf aus grün-gelblichem Kunststoff, aus dessen Schädeldecke ein Viertel entfernt wurde, präzise Schnitte formen die Leerstelle treppenartig. Auf dieser Stufenkonstruktion kreuzen sich eine eingekerbte senkrechte und eine waagerechte Linie. Die Manipulation des wenig menschlich aussehenden Kopfes – statt Augen hat er kreisrunde Vertiefungen – erinnert an die Arbeit „Der mechanische Kopf (Der Geist unserer Zeit)“ von Raoul Hausmann aus dem Jahr 1920. So verschieden die zwei Köpfe formal selbstverständlich sind, spielen doch beide mit dem Motiv des Vermessens und der Veränderung. Hausmann thematisiert die neuen technischen Herausforderungen der Moderne. Schiemenz, der auf diese immer wieder Bezug nimmt, schafft einen zur Konstruktion mutierten Architekturkopf, der als Zeichen für „Idee“ schlechterdings verstanden werden kann.
Die
Pole Naturkonstruktion und menschliche Ideenkonstruktion kommen im Werk von Kai
Schiemenz zusammen.
Stefan Guggisberg
Einmal
schrieb Rainer Maria Rilke von dem „Horchen in die eigene Tiefe“[13]
und meinte damit die zum Körperzentrum gekrümmte Bewegung der Aktfiguren Auguste
Rodins. Auch bei dem Maler Stefan Guggisberg gibt es dieses „Horchen“: Es ist
eine aufmerksame geistige Bewegung des Künstlers nach innen, die er, einem
Ahnen folgend, auf das Blatt Papier übersetzt und schließlich an den Betrachter
vermittelt. In einem geduldigen Prozess trägt Guggisberg Schicht um Schicht
Farbe auf das Papier, schafft damit eine „Substanz“, einen „Farbkörper“[14].
Er selbst beschrieb diese Farbfläche als „Möglichkeitsfeld“, von der aus
schließlich die intuitive „Bildfindung“ ausgehe.[15] Mit
einem Radiergummi entfernt er in einem nächsten Schritt Teile der Farbschichten
und zeichnet somit die Motive in die Farbfläche. Mithilfe eines Objektes, das
per se Material entfernt, legt der Maler seine Motive frei. Es entstehen
Farbstrukturen, die für den Betrachter kaum fassbar sind, weil sie mit der
Ambivalenz von äußerster malerischer Präzision und – letztlich dadurch
erreichter – gleichzeitiger Farbzerstreuung spielen. Resultat ist das
faszinierende Paradoxon präziser Unschärfe. Die Motive scheinen sich einer
momentanen Bewegung folgend aus einzelnen Farbpartikeln zusammenzusetzen und
zugleich ist ihr sofortiges Auseinanderstreben denkbar. Die Farbe und alsodie
Motive sind in diesen Blättern Ausdruck einer vorübergehenden Gegenwart. Marc
Ries hat darauf hingewiesen, Guggisbergs Arbeitsprozess sei wesentlicher Teil
der Bildbedeutung, seine Malerei radikalisiere die Frage nach der Herkunft der
Bilder: „Woher kommen [sie], oder
[...] was sind das für Gegenstände, die auf den Bildern abgebildet sind [...]?
Sie [die Malerei] stellt die Frage nach dem Verhältnis von Abbild und Urbild,
von Darstellung und Dargestelltem. Vieles von dem, was auf den Bildern sich
vorfindet, ist zwar da, im Bild jedoch
existieren diese Dinge möglicherweise nur als Teil von Bildern, als Teil von Bildflächen, aus denen sie
hervorgehen.“[16]
Wiederkehrend
sind die dargestellten Objekte Steine. Mit der oben beschriebenen Flüchtigkeit
sind diese gerade nicht zu assoziieren. In dem Werk „Kollision“ (2015) ist die
Fläche des Blattes mit einer Struktur ausgefüllt, die am ehesten an eine
Felswand erinnert, allerdings von Dynamik durchpulst ist. Die zwischen Grau,
zartem Orange, hellem Blau und leichtem Rosa changierenden Farbfelder evozieren
die einzelnen Schichtungen eines Sedimentgesteins. Steinbrocken in der linken
oberen Ecke und vereinzelt über das Motiv verteilt, nähren den Eindruck eines
Blicks auf eine Felswand. Aufregend gestört wird dies von den Formen, die aus
dieser heraustreten: Im Zentrum komprimiert sich der Felsen zu einer
kreisrunden Form. An manchen Stellen geht sie plan in die Gesteinswand über, an
anderen hebt sie sich, herausgearbeitet durch Schattierungen, von ihr ab. Der
„Steinkreis“ tritt geradezu aus dem Bild heraus und steht in Kontrast zu der
Tiefe, die ein dunkler Spalt im Felsen, der unter dem Kreis diagonal durchs
Bild verläuft, produziert. Zugleich ist die Schattierung um den Kreis herum
ambivalent. So ließe sich doch auch denken, der Kreis sei in die Wand oder in
eine möglicherweise assoziierbare Bodenfelsplatte eingelassen. Fortsetzung und
Höhepunkt findet die verwirrende Dynamik durch das leuchtend blaue Element, das
wohl einst kugelförmig ausgebildet war, im Moment des Bildes aber
auseinandersprengt und in kleinste Teile zerfällt. Aureolenartig strahlen feine
Linien von dem Objekt aus. Sie verdeutlichen die Zerstörungskraft. Die blaue
Kugel – ein weiterer Stein? – und darauf verweist ja schon der Titel,
kollidiert mit dem Rand des großen Steinkreises. Der formstiftende Augenblick
der Kollision geht mit einem Verbinden des großen Steinkreises mit der Felswand
einher. An dieser Stelle wird die Felsenstruktur ebenmäßig. Dem blauen Element
traut man die Potenz zu, Ursache für die Steinkreisbildung zu sein – nicht der
Kreis war zuerst, sondern die Kollision von kleinem Objekt und Fläche hat ihn
hervorgebracht, hat den Felsen in Bewegung versetzt.
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Kai Schiemenz,Coloured Cut-In V
2016, Glas, 56 x 22 x 13 cm
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Kai Schiemenz,Coloured Cut-In III
2016, Glas, 56 x 22 x 13 cm
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Im
Gegensatz zur räumlichen Unmittelbarkeit der Felswand in „Kollision“, ergreift
ein tiefes, changierendes Blau in „Zone“ (2018) vom Raum Besitz. Es erstreckt
sich weltraumartig über das großformatige Blatt Papier. Amorphe helle Flächen
und Strukturen bewegen sich durch diesen Raum. Als farblicher und materieller Fremdkörper
und trotzdem natürlicher Teil der Szenerie erscheint im Blickzentrum ein
brauner Stein und tangiert leicht eine spiralenartige Farbstruktur. Auch hier
ließe sich von einer „Kollision“ sprechen, doch wirkt sie, vielleicht durch den
schwerelosen Raum bedingt, wie abgefedert. Von ihr geht keine explosionsartige
Kraft aus. Eher fügen sich die einzelnen Elemente zu einem großen kosmischen
Ganzen zusammen.
Was
sind das für Orte, die Guggisberg in seinen Bildern aufruft? Sie spielen
manches Mal mit der Illusion, mikroskopische Ansichten zu sein, wie bei „Zone“,
im Falle von „Kollision“erscheinen sie auf Beobachtungen eines Naturereignisses
zu gründen. Nie aber suchen sie das Abbild der Natur, sie bleiben reine Malerei,
die in der inneren Bewegung des Künstlers ihren Ursprung hat, wie am intuitiven
Arbeitsprozess deutlich wird. Und doch geht es motivisch um mehr, um das, was
die Welt im Innersten zusammenhält: „Im Mikrokosmos, also sozusagen im
Untergrund unserer wahrnehmbaren Welt herrscht eine große Lebendigkeit. Am
Grunde sind [...] keine materiellen Teile, aus denen sich die Welt
zusammensetzt, sondern Schwingungen, die in der einen, allumfassenden
Beziehungsstruktur miteinander wechselwirken. In diesem Wechselwirken ‚mitteln‘
sich die Schwingungen aus. Und aus diesem Ausmittelungsprozess ‚gerinnt‘ die
Realität, wie wir sie in unserem Alltag erfahren und in der wir die Dinge
anfassen können.“[17]
In
diesen Bildern eröffnet sich für den Betrachter ein Resonanzfeld, das Natur und
Geistiges zusammenführt.
William Tucker
Den
Skulpturen von William Tucker zu begegnen, bedeutet durch eine Landschaft zu
gehen. Im Ausstellungsraum muten die massiven Bronzekolosse an, Steinbrocken zu
sein. Findlinge einer gewaltigen Natur, die nun als Fremdkörper in
artifizieller Umgebung einen Platz gefunden haben und sich dort zu einer neuen
Art von Landschaft zusammenfügen: Über den vom Menschen geschaffenen Raum
scheinen die Objekte jedoch zugleich als Zeichen aus einer Vorzeit erhaben zu sein
– und auch „hinüberdauernd in noch nicht gekommene Zeiten“[18]. Sie
wollen umrundet und durchwandert, sie wollen aus der Nähe und Ferne angeschaut
werden. Sie ziehen an und weisen von sich. Nach längerem Betrachten aber stellt
sich eine Veränderung ein.[19]
Es sind nun keine Steine mehr. Ja, sie sind es nie gewesen.
Vexierbildartig
wandeln sich die naturnahen Objekte zu Körperfragmenten, zu Füßen, Knien oder
Fäusten. Im Georg Kolbe Museum werden die sogenannten „Köpfe“ ausgestellt,Arbeiten,
die überwiegend zwischen 1997–2000 entstanden.Im Ausdruck ermattet, schlafend,
sterbend ruhen die Köpfe jeweils auf einer ihrer Gesichtshälften ohne Sockel am
Boden.Ihre poetischen Titel lauten „Icarus“, „Sleeping Musician“, „Persecutor“,
„The Hero at Evening“ und „A Poet of Our Time“. Ausnahmen von der horizontalen
Position sind die aufgerichteten Köpfe „Bibi“ (1997) und „Hommage to Rodin
(Bibi)“ (1999). Selbstverständlich handelt es sich bei den Köpfen nicht um
Porträts im eigentlichen Sinne und doch sind sie überraschend individuell. Ihre
stark bewegte, regelrecht aufgewühlte Oberflächenstruktur mit Klüften und
Wölbungen zeichnen sie als Wesen mit eigenem Charakter aus.[20] Trotz
ihrer teilweise überlebensgroßen Dimension, vielleicht gerade wegen ihr, wendet
sich der Betrachter ihnen empathisch zu. Auch als Köpfe, und dezidiert nicht
als Steine, sind sie Zeichen aus einer vorangegangenen Zeit.
William
Tucker erklärt die Köpfe aus einem Interesse für Erinnerung und Geschichte,
Literatur und Poesie.[21]
Wie Joy Sleeman herausgearbeitet hat, wurden die Skulpturen damit „images of
something“[22]
und bedeuten eine Entwicklung im Werk des Künstlers, der bis zu Beginn der
1980er-Jahre mit abstrakten geometrischen Formen und glatten Oberflächen
arbeitete. Doch schon zuvor bezog sich der Bildhauer auf literarische Quellen,
auf die er auch in seinen Titeln verwies. So verwendete er beispielsweise den Begriff
„Beulah“ als Namensgeber einer abstrakten Werkserie (1971–72). „Beulah“ bezieht
sich auf die Privatmythologie des britischen Malers und Naturmystikers William
Blake, der dieses Bild für den Ursprung von Inspiration und Träumen im
Unterbewusstsein entwickelt hatte. Im Unterschied dazu sind die Köpfe
allerdings deutlich erzählerischer. „Bibi“ und die vergrößerte Variante „Homage
to Rodin (Bibi)“ referieren auf Auguste Rodins „Mann mit der gebrochenen Nase“
(1874–75), für den ein älterer Arbeiter aus Saint-Marcel in Paris Modell
gesessen hatte, der „Bibi“ gerufen wurde. Tucker hat dabei einen assoziativen,
zufälligen Zugang zu Rodins „Bibi“ in seinem eigenen Schaffen gefunden: Ein
Gipsfragment, dass er im Atelier aufbewahrte, erinnerte ihn an den versehrten
Gesichtszug des „Mannes mit der gebrochenen Nase“.[23] Der
brutale Einschlag auf dem Nasenrücken von Rodins Modell ist mit dem Umgang
Tuckers mit seinem Arbeitsmaterial verglichen worden, den er selbst
eindrücklich beschrieben hat: „At various times these sculptures might have
been dropped on a concrete floor, smashed with an axe, cut in sections with a
saw and the fragments reassembled.“[24] Der
Über-Bildhauer Rodin ist, wie für so viele nachgeborene Generationen, auch für
den 95 Jahre jüngeren Tucker bedeutende Referenzfigur, den er nicht nur in
seinem künstlerischen, sondern zudem in seinem schriftstellerischen Werk Raum
widmete. 1974 publizierte der damals noch in England (heute in Massachusetts)
lebende Tucker „The Language of Sculpture“ und schuf damit wiederum ein
Referenzwerk für eine ihm nachfolgende Generation. Das erste Kapitel gilt Rodin
und Tucker beschreibt darin u.a., wie der Franzose (neben Degas) Volumen, Masse
als fundamentale Komponenten in der Skulptur wiederentdeckte – und sie durch
seinen Umgang mit Kontur aus jedem Betrachterblickwinkel beleben konnte.[25]
Tucker arbeitet mit diesem Wissen in seinen eigenen Skulpturen, die zwar Masse,
ja schwere Körper im Raum sind, aber denen durch die Bewegtheit der Oberfläche
und ihre mehrdeutige Vielansichtigkeit eine berührende Verlebendigung zu eigen
ist.
Die
dynamische Potenz skulpturaler Werke hat schon Rilke in seiner Schilderung
eines Besuchs im Louvre angesichts älterer Figuren festgehalten, die in seiner
berühmten Abhandlung über Rodin zu finden ist: „Da waren Steine, die schliefen,
und man fühlte, dass sie erwachen würden bei irgendeinem Jüngsten Gericht,
Steine, an denen nicht Sterbliches war, und andere, die eine Bewegung trugen,
eine Gebärde, die so frisch geblieben war, als sollte sie hier nur aufbewahrt
und eines Tages irgendeinem Kinde gegeben werden, das vorüberkam.“[26]
Rilke beschreibt hier die in Erstaunen versetzende, weil so wirklichkeitsnahe
figürliche Bildhauerei vorangegangener Jahrhunderte, der Rodin aber mit seiner
neuen Formsprache ein neues Maß an körperlicher Ausdruckskraft hinzufügen
konnte. Tucker, in entfernter Tradition Rodins stehend, arbeitet nicht
figürlich, sondern kreatürlich. Seine „Köpfe“ sind nicht Mensch, aber lebendig.
Sie sind in der Essenz archaische Formen eines Zustandes, der zwischen Natur-
und Mensch-Sein angesiedelt ist. Nach Rilke hat Rodins „Mann mit der
gebrochenen Nase“ offenbart, dass der Bildhauer „den Weg durch ein Gesicht zu
gehen wußte.“[27]
Auch Tucker kennt diesen Weg. Er erweitert den Topos, ein von Lebenswegen
gezeichnetes Gesicht als Landschaft zu verstehen, um die tatsächliche,
motivische Ambivalenz zwischen menschlichem Gesicht und landschaftlichem
Element.
„Bibi“
steht am Anfang der Reihe der „Köpfe“. Anders als dieser liegen die
nachfolgenden und verweisen somit, wie Tucker bestätigt, auf die „Schlafende
Muse“ (1917–18) von Constantin Brancusi.[28]
„Sleeping Musician“ steht dieser Arbeit am nächsten, eine Art männliches,
raueres Pendant zu der zarten Eleganz der Muse. Doch die verweisenden Bezüge
lassen sich weiterführen. „A Poet of Our Time“ verkörpert, so Joy Sleeman, zum
einen Erinnerungen an Gedichte Bertolt Brechts, zum anderen verweist es auf
Philip Gustons Portrait des toten T.S. Eliot.[29] „The
Hero at Evening“ spielt auf den sterbenden Simon Bolivar an, wie ihn Gabriel
Garcia Marquez in dem Roman „Der General in seinem Labyrinth“ (2000) beschrieb.[30]
Und „Icarus“ natürlich auf den am Boden Zerschellten. Dieter Schwarz machte
darauf aufmerksam, dass die Köpfe „lesbare, vom Tod handelnde Figuren“ seien
und zitierte in diesem Zusammenhang den jungen Tucker: „Skulptur ist eine
Aussage über die physische Welt, über eine endliche Ordnung (Vollständigkeit)
und damit über unsere Existenz in der Welt.“[31]
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Kai Schiemenz, Ötzi
2019, Polyester
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Leben und Tod, Abstraktion und Landschaft
In
den Werken von Kai Schiemenz ist das Motiv des Steins Zeichen einer
Übersetzungsleistung: Ein Naturobjekt wird in ein von Menschen gemachtes Objekt
verwandelt und trotzdem ist der Verweis auf den natürlichen und damit auch
vorzeitlichen Ursprung des Steins dabei wesentlich. Durch das Material Glas
erfahren die Objekte eine neue Dimension, die dem Betrachter ermöglicht, in sie
hineinzusehen und damit in einen zugleich mythischen und geistigen Resonanzraum
zu blicken. Der geistige Raum findet sich auch bei Stefan Guggisberg. Dessen
Felsen und Steine verweisen auf den Mikrokosmos im Makrokosmos und sie sind
dank ihrer Materialität, die von einer Dynamik der Farbschichten ausgeht, nicht
nur Ausdruck für den Schaffensprozess des Künstlers, sondern auch geistiger
Bewegungsraum für den Betrachter, der vor diesen Ölzeichnungen, ähnlich wie vor
einem skulpturalen Objekt, auch körperlich in Bewegung versetzt wird. William
Tucker hat mit seinen abstrahierten Köpfen Objekte geschaffen, die durch ihre
bewegten Gesichtszüge, durch ihre massige Präsenz im Raum Züge einer
geographischen Landschaft annehmen: Der menschliche Kopf wird bei ihm
Naturobjekt. Lebendigkeit und Sterben gehen damit, wie oben gezeigt wurde,
motivisch einher. Die spannungsreiche Ambivalenz zwischen Abstraktion,
Kreatürlichkeit und Natur zeichnen diese Werke aus.
Steine
sind in den Arbeiten der drei Künstler nie Steine. Sie weisen immer über ihre
Form hinaus, hin auf die Abstraktionen von Geist, Zeit, Licht, Seele und damit
auf den Menschen, der ihnen gegenübertritt.
[1]Die
alten Naturdichter und die neuen. (Brockes und Geßner, Stifter, Kopert usw.),
zit. nach: Johannes John, Wolfgang Wiesmüller: Rezeption und Wirkung, in:
Christian Begemann, Davide Giuriato (Hrsg.): Stifter-Handbuch. Leben, Werk,
Wirkung, Stuttgart 2017, S. 369.
[2] Adalbert
Stifter: Bergkristall, in: Bunte Steine. Erzählungen, hrsg. von Helmut
Bachmaier, Stuttgart 2017, S. 210.
[3]
Ebd., S. 208f.
[4]
Die Bezugsebene zur Geburt Christi ist in der Geschichte immanent.
[5]
In der berühmt gewordenen, weil programmatischen Vorrede (siehe Stifter 2017
(wie Anm. 2), S. 7). Darin geht er auch explizit auf seinen Kritiker Hebbel
ein: „Es ist einmal gegen mich bemerkt worden, daß ich nur das Kleine bilde,
und daß meine Menschen stets gewöhnliche Menschen seien. Wenn das wahr ist, bin
ich heute in der Lage, den Lesern ein noch Kleineres und Unbedeutenderes
anzubieten, nämlich allerlei Spielereien für junge Herzen.“
[6]
Peter Schnyder: Geologie und Mineralogie, in: Begemann, Giuriato 2017 (wie Anm.
1), S. 249–253.
[7]
Siehe Stifter 2017 (wie Anm. 2), Einleitung, S. 15f.
[8]
Ebd. S. 10.
[9]
Anja Kregeloh: Glas als Material der Kunst seit 1960, Aachen 2015, S. 23.
[10]
Roger Caillois: Die Schrift der Steine, Graz/Wien 2004, S. 12.
[11]Kai
Schiemenz im Interview mit Wita Noack, in: „IN FARBE“ (Ausst.-Kat. Mies van der
Rohe Haus Berlin), Berlin 2017, S. 9.
[12]
Susanne Altmann: Die Ordnung der Monumente. Neue Arbeiten von Kai Schiemenz
zwischen archaischem Bildakt, beherzten Materialexpeditionen und
unwissenschaftlichem Erkenntnisgewinn, in: Kai Schiemenz. Große und Kleine –
Pistazie, Malve, Koralle (Ausst.-Kat. Städtische Galerie Wolfsburg), Köthen
2016, S. H8.
[13]Rainer
Maria Rilke: Auguste Rodin, Leipzig 1919, S. 30.
[14]
Siehe Marc Ries: Ohne Titel (Immanenz). Anmerkungen zur Malerei von Stefan
Guggisberg, in: Stefan Guggisberg. Beginn, Berlin 2013, S. 30.
[15]
Stefan Guggisberg: „Außer Fassung“. Mein malerischer Arbeitsprozess mit dem
Diagramm, Diplomarbeit an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig 2008,
siehe http://www.stefanguggisberg.com/Stefan_Guggisberg/Texte___Publikationen_files/ausser_fassung.pdf,
zuletzt abgerufen am 23.12.2018, S. 6, 11.
[16]
Ebd., S. 29.
[17]
Stefan Guggisberg: „Außer Fassung“. Mein malerischer Arbeitsprozess mit dem
Diagramm (Diplomarbeit an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
2008), siehe http://www.stefanguggisberg.com/Stefan_Guggisberg/Texte___Publikationen_files/ausser_fassung.pdf,
zuletzt aufgerufen am 23.12.2018, S. 23.
[18]
Rilke 1919 (wie Anm. 13), S. 9.
[19]
Diese Beobachtung ist schon vielfach gemacht worden, u. a. bei Julia Kelly:
William Tucker. Oberflächen und Motive der Skulptur, in: William Tucker
(Ausst.-Kat. Kunstmuseum Winterthur), Winterthur 2016, S. 23f.: „Ihre Form,
Figur und ihr narrativer Gehalt lassen sich dagegen erst allmählich erahnen,
nachdem man die Skulpturen aus allen möglichen Blickwinkeln und
unterschiedlichen Entfernungen gesehen hat. Tuckers Rauheiten ziehen uns an,
zwingen uns aber gleichzeitig, einen Schritt zurückzuweichen.“
[20]
Tucker hat auf den für die Skulpturen wichtigen Unterschied zwischen Porträt
und Charakter hingewiesen und hervorgehoben, „Charakter“ könne aus einem
Prozess entstehen, anders als „Identität“ (in: Joy Sleeman: The Sculpture of
William Tucker, Aldershot, Burlington 2007, S. 20).
[21]
Ebd.
[22]
Ebd.
[23]
Ebd., S. 21.
[24]
Ebd. Der zerschlagen anmutende „Icarus“ verknüpft diese Entstehungsgeschichte
mit dem mythologischen Motivinhalt.
[25] William Tucker: The Language of
Sculpture, London 31981, S. 22.
[26]
Rilke 1919 (wie Anm. 13), S. 9.
[27]
Ebd., S. 28.
[28]
Grundsätzlich ist bei diesen Figuren auch auf den neolithischen, aufrecht
stehenden Steinkreis von Avebury in der englischen Grafschaft Wiltshire verwiesen
worden.
[29]
Sleeman 2007 (wie Anm. 20), S. 23.
[30]
Ebd., S. 23f.
[31]
Dieter Schwarz: Die Unschuld der Skulptur, in: Tucker 2016 (wie Anm. 19), S.
54.
Press:
https://www.tagesspiegel.de/kultur/stein-ausstellung-im-kolbe-museum-vor-der-zeit-der-menschen/24139264.html
https://www.artisnext.net/kalender/detail.xhtml;jsessionid=C2F9BA8975DA79EEA60029E1A0334118?id=34116
https://www.georg-kolbe-museum.de/bunte-steine-william-tucker-kai-schiemenz-stefan-guggisberg-2/
https://www.rbb-online.de/rbbkultur/radio/programm/schema/sendungen/kulturradio_am_nachmittag/archiv/20190222_1505/kultur_aktuell_1645.html
https://bunteseite.wordpress.com/2019/02/25/bunte-steine-eine-ausstellung-im-georg-kolbe-museum/
https://www.glasspool.de/portfolios/bunte-steine/
https://www.wartsmagazine.com/single-post/Felsen-Glas-und-Leinwand-Bunte-Steine-am-Georg-Kolbe-Museum
Aus dem Beitrag „Vom Wesen der Steine“ von Nicole Frenzel in der Fachzeitschrift Naturstein 4|2019: »Die international renomierten Künstler setzen sich mit dem Phänomen Stein auseinander und erschaffen durch ungewöhnliche Werkprozesse überraschende Bilder[:] […] Tuckers Skulpturen wie riesige vom Himmel gefallene Findlinge oder Meteoritenbrocken. […] [Kai Schiemenz] Glas wie Stein […] Ihr stets sich wandelndes Erscheinungsbild schafft eine Aura des Geheimnisvollen und knüpft Assoziationen zu Märchen und Sagen, in den Steinen magische Bedeutung zukommt. [Stefan Guggisberg] Steine als Motiv […] Es entstehen faszinierend zarte Bildoberflächen […] -meist sind es Steine oder kristalline Formationen- wie hinter einem Schleier halb verborgen, halb sichtbar hervorscheinen.“«
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| photo: Ludwig Heil |
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Press:
https://www.tagesspiegel.de/kultur/stein-ausstellung-im-kolbe-museum-vor-der-zeit-der-menschen/24139264.html
https://www.artisnext.net/kalender/detail.xhtml;jsessionid=C2F9BA8975DA79EEA60029E1A0334118?id=34116
https://www.georg-kolbe-museum.de/bunte-steine-william-tucker-kai-schiemenz-stefan-guggisberg-2/
https://www.rbb-online.de/rbbkultur/radio/programm/schema/sendungen/kulturradio_am_nachmittag/archiv/20190222_1505/kultur_aktuell_1645.html
https://bunteseite.wordpress.com/2019/02/25/bunte-steine-eine-ausstellung-im-georg-kolbe-museum/
https://www.glasspool.de/portfolios/bunte-steine/
https://www.wartsmagazine.com/single-post/Felsen-Glas-und-Leinwand-Bunte-Steine-am-Georg-Kolbe-Museum
Aus dem Beitrag „Vom Wesen der Steine“ von Nicole Frenzel in der Fachzeitschrift Naturstein 4|2019: »Die international renomierten Künstler setzen sich mit dem Phänomen Stein auseinander und erschaffen durch ungewöhnliche Werkprozesse überraschende Bilder[:] […] Tuckers Skulpturen wie riesige vom Himmel gefallene Findlinge oder Meteoritenbrocken. […] [Kai Schiemenz] Glas wie Stein […] Ihr stets sich wandelndes Erscheinungsbild schafft eine Aura des Geheimnisvollen und knüpft Assoziationen zu Märchen und Sagen, in den Steinen magische Bedeutung zukommt. [Stefan Guggisberg] Steine als Motiv […] Es entstehen faszinierend zarte Bildoberflächen […] -meist sind es Steine oder kristalline Formationen- wie hinter einem Schleier halb verborgen, halb sichtbar hervorscheinen.“«
